Je touche à tout, je bricole. Je récupère ça et là des matériaux dévalorisés afin de concrétiser des idées parfois farfelues. J’apprécie par ailleurs le cinéma, ou plutôt, les bizarreries qui permettent à sa magie d’opérer derrière nos rétines.

Ainsi, au sein de l’espace d’exposition, Silence, ça tourne ! est un dispositif vidéo qui diffuse en direct le déplacement circulaire d’une caméra placée dans un espace que vous ne connaissez certainement pas, mais que vous découvrez au fur et à mesure. Il s’agit d’un dispositif mécanique que j’ai construit dans le sous-sol de La Fileuse et dont le but est de questionner notre rapport à l’infiniment grand et à l’infiniment petit. En effet, les divers procédés cinématographiques tels que le cadrage de l’objectif d’une caméra, le travelling ou encore l’idée de champ / hors-champ, permettent de jouer sur la perception de cet espace monumental au point d’en déstabiliser la perception de son échelle.

Attirée par la peinture dès mon plus jeune âge, c’est à la découverte du court-métrage de Jean Eustache Les Photos d’Alix que mon travail prend un tout autre sens. La vidéo devient dès lors mon médium de prédilection, ma base de recherche, mon exutoire. Il m’aide à m’exprimer, mais aussi à exploiter différents domaines : son, peinture, écriture, performance.
Fascinée par le décalage entre ce que l’on peut entendre et ce que l’on peut voir, mes préoccupations se tournent vers cette volonté de détourner le langage. L’amener dans un ailleurs. Créer une expérience autour du langage.
Je pars essentiellement de conversations, de questions-réponses, d’expériences réalisées auprès de mon entourage afin d’y amener, par la suite, des incohérences, des incompréhensions, de la distance. Selon moi, c’est dans la confusion que l’on ressent une certaine proximité avec l’œuvre.
Comme le dit le philosophe Jean-Louis Chrétien : «  La proximité qui effraie, c’est à dire met à distance, est la seule vraie proximité  »*. C’est alors par le trouble qu’un dialogue va se créer entre les visiteurs et mes pièces. Le fait de s’y perdre permet, je l’espère, d’y trouver sa place. Si on comprend, on ne cherche pas, et si on ne cherche pas, on ne trouve pas.

*Extrait de Le Miroir sans reflet – Considérations autour de l’oeuvre de Bruce Nauman, par Bruno Eblé 

Mon travail est né de réflexions sur l’espace, du dialogue entre l’extérieur et l’intérieur, du paysage dans l’architecture.

Peu à peu, ces réflexions se sont précisées autour de l’envie de créer des dispositifs insidieux et menaçants, invitant les visiteur.euses à participer à l’activation de mes pièces, sans en avoir pleinement conscience.

Je questionne par là l’exercice du libre arbitre pour s’inscrire dans un tout, ainsi que la difficulté à progresser face à la facilité avec laquelle certaines libertés peuvent nous être retirées.

De fait, l’idée de direction a pris une place importante dans ce travail et s’est concrétisée par l’utilisation prédominante du métal, de l’acier ou du plomb que j’utilise bien souvent en regard de matériaux organiques et de restes de corps, humains ou non. La mort fait partie du voyage et illustre la violence faite aux corps se retrouvant pris dans des parcours qu’ils ne maîtrisent pas. Car c’est bien cette idée de violence qui m’anime et qui vient se mêler à celle du dégoût, suscité par les odeurs, les couleurs ou les textures de ce qui persiste.

Mon travail de sculpture débute après une pratique de collecte de matériaux que je viens récupérer dans mon environnement proche. Ma pratique varie en fonction du lieu dans lequel je me trouve et témoigne de mon parcours en tant que jeune artiste. Vous pouvez donc voir des sculptures réalisées avec des matériaux issus de l’industrie du bricolage, récupérés lors de mon cursus à l’ÉSAD de Reims et d’autres faites avec des matériaux trouvés dans la ville dans laquelle j’ai choisi de résider après l’école, Bruxelles. Ici, le passé et le présent dialoguent et communiquent également mon souhait de ne pas ajouter plus de matière qu’il n’en existe déjà dans le monde.

Brins est un assemblage de multiples débris de câbles électriques dénudés, découpés et recomposés à la manière de fibres textiles, qui viennent former un tout. Etant descendante d’une famille d’ouvriers de l’industrie du textile de l’Est de la France, le fil et le lien sont des motifs récurrents dans mes productions, qui me renvoient à mes origines. La fragilité et la longueur de cette sculpture témoignent de l’importance du geste répétitif et manuel dans ma pratique.

Bidules est un écosystème de formes au caractère infini, qui envahit l’espace. Discrètes mais attirantes, ces formes suggèrent une curiosité pour les trouvailles manufacturées ou vivantes qui peuplent le sol.

Dans le pot de confiture est une série de sculptures inspirée d’un souvenir d’enfance : une récolte de mues de cigales conservées bien précieusement dans un pot de confiture, pour mieux les observer. La réinterprétation de forme végétales et animales ainsi que la recomposition de chutes de voilage avec la technique du patchwork évoque à la fois la fragilité et l’intime.

Mon travail a pour point de départ des images de différentes typologies que je collecte : photos de famille, cartes postales… Je m’approprie et réinvestis ces images dans des œuvres utilisant différents médiums ; vidéo, peinture, sculpture. L’ensemble des œuvres que je présente a pour point de départ les photographies d’intérieurs des magazines de décoration des années 1960 et 1970. J’ai tenté de comprendre comment étaient mis en scène ces lieux de vie, sans aucune vie, qui ont pour but de séduire le / la lecteur·ice Pour cela, j’ai réalisé une série de peintures de différents formats, ainsi qu’une sculpture.

Merci Jeff intègre le / la spectateur·ice par son format. Le / la spectateur·ice est alors inclus·e dans l’espace et déclenche ce décor d’intérieur.
Monstera Deliciosa est une sculpture en métal qui reprend le motif des plantes d’intérieur omniprésentes. Sauf qu’ici la plante est menaçante et en train de mourir.
Intérieur témoigne de la société de consommation qui change  : on se débarrasse des meubles de famille pour laisser place à des objets plus épurés, à des matériaux modernes, à de la transparence. Ce sont souvent des lieux qui, bien qu’invitant le / la spectateur·ice à les habiter et à s’y projeter, laissent pourtant s’imposer l’impression d’absence, d’attente, parfois même de disparition.

L’objet principal de mon travail est le corps. Le corps abîmé, restreint, précaire et dominé. Je l’aborde dans mes sculptures à travers le vêtement ou le revêtement que je viens dégrader avec des substances toxiques (de l’huile de vidange, du goudron ou encore du plomb) pour aborder l’état du corps assujetti qui, à force de mauvais traitements, lâche.

Je le traite aussi, de manière plus frontale, dans mes performances, où je mets mon propre corps en danger. La mise en péril de mon intégrité physique est importante pour moi. Elle me permet de ressentir concrètement mon discours et de le transmettre au spectateur de manière plus immédiate.

Pasolini parlait de sa volonté de «  jeter son corps dans la lutte  », ce corps m’intéresse aussi dans ce qu’il contient de sensuel et désirable. Dans sa capacité à faire de la contestation le véritable objet du désir.

Qu’est-ce qu’un tournoi Mario Kart a en commun avec une grille millimétrée tracée à la main  ?
Mon travail s’est construit autour de ma peur de l’oubli. Je réécris, redessine, recopie, recadre, recompose, recoupe et recolle. Je refais à la main. Mes papiers sont autonomes dans un ensemble. Sans hiérarchie entre des sujets d’étude aux contextes variés : la sortie d’un jeu vidéo, les personnages d’une bande dessinée, l’agenda d’un arrière-grand-parent, le début d’une guerre ou le droit de vote des femmes… C’est un travail de mémoire sur la mémoire.

Les chiffres jouent un rôle essentiel. L’emploi de mon temps se mesure dans ma pratique, je tisse au crayon pour marquer l’écoulement inévitable du temps.

L’ironie des titres apporte un contraste.  

Comment occuper le temps  ?
Je conserve grâce à mon travail – pour créer – un répertoire qui devient une collection infinie de mon temps.

À vrai dire, je crois qu’à la fin, ma carrière – quelle qu’elle soit –, sera dédiée à Zinédine Zidane.

Mon travail met en relief des objets ou gestes qui s’imbriquent dans un univers domestique ou sportif. Ces deux parties, objets et gestes, sont les fondamentaux d’une pratique que je décrirais comme narrative. Le développement d’un projet se déclenche chez moi par l’envie d’expérimenter des formes ou des matériaux et de les pousser dans leurs retranchements techniques. Ainsi, l’ambition de la pièce dérive souvent de l’esquisse au brouillon, voire à la rature.

J’aime l’idée d’organiser un déséquilibre dans le fonctionnement des œuvres avec l’espoir qu’elles ressemblent à des expériences, parfois accidentées.

Je veux décrire par la matière les émotions que je m’interdisais d’appréhender comme artistiques. Celles d’avant mes études, d’avant ma pratique : quand la sculpture ne prenait sens que dans un ballon flottant rebondissant sur une barre blanche pour rentrer dans les cages, puis en ressortir.

Adriann Béghin tente de faire corps avec ses œuvres. Elle suggère des allégories de corps meurtris tout en évoquant une profonde libération. Il y a une dimension politique derrière sa pratique de la sculpture qui s’inscrit dans une posture éco-féministe. Elle cherche à entretenir un dialogue à égalité avec l’argile. De cette relation naît une fusion, une intrication entre humain et environnement, visible au sein même de ces sculptures ambigües.

La pratique d’Adrien Tinchi est orientée vers la perception de différentes formes de durée. Les recherches phénoménologiques liés à « l’événement » l’amène à questionner un panel de mesures temporelles en les transposant de manière discrète. Les interventions d’Adrien permettent de prendre conscience du silence, de l’absence, du banal en questionnant notamment la médiation liée aux œuvres par une série de « storytelling » recontextualisant ses recherches et mettant parfois en lumière certains projets jusqu’à présent inexistants. 

Les travaux de Valentin Tyteca sont des incertitudes. Il interroge les statuts qui lui sont conférés, ainsi que son oeuvre pour mieux les déstabiliser, les détrôner et surtout en rire. Il interroge ce que l’apparence dit de soi et établit une connexion directe entre art, appartenance communautaire et théâtre. Les installations deviennent en ce lieu des éléments de décor. Non plus prises seulement pour elles-mêmes, elles deviennent une part de l’architecture.

Texte : Cécile Renoult

Il y a dans nos maisons une poésie qui naît à la limite du langage : nos possessions et nos trésors nous racontent, sans avoir à prononcer un seul mot. Goffman dit que chez nous on se cache et on se montre. Je crois aussi qu’on cache que l’on se montre et que l’on montre que l’on se cache. Ici, les objets et les dessins abritent effectivement une narration secrète.

Un personnage, que j’appelle la Campeuse, me sert de porte d’entrée, de port d’attache pour naviguer dans des cultures vernaculaires et les rendre intimes, hantées de traumatismes ordinaires.
Vous êtes dans son espace, où les alcôves sont devenues des gîtes à la rêverie. C’est un espace où elle a pu se blottir et rêver de temps et de lieux différents.

Dans l’isolement le temps s’allonge, s’épaissit. La Campeuse collectionne, dessine, assemble, donne
patiemment vie à son espace. Ça rappelle les dessins de la jeunesse, les images copiées presque pieusement. Les heures passées à faire transforment les images et les objets en amis imaginaires, en compagnons de solitude.

La Campeuse n’a d’accroche nulle part. Elle navigue dans un monde mineur auquel elle voudrait appartenir et dont elle rejoue librement les codes. Elle fait tout dans la solitude, mais c’est une solitude
qui désire le monde. Plutôt que de faire partie des foyers, collectifs ou intimes, elle les imite comme
les enfants qui reproduisent les rituels des grands.

« Le bruit des voisins » est un dispositif sonore quadriphonique prenant pour point de départ l’exploration de la plus haute tour de Reims, la tour Franchet d’Espèrey ou résidence Vivaldi, logement social de plus de 500 habitants, trônant seule face à mon atelier depuis trois ans. J’ai voulu établir un contact entre deux espaces étrangers l’un à l’autre bien que voisins. D’une succession de déplacements et de communications a découlé un parcours sonore qui tente de retranscrire des fragments de rencontres choisis et composés entre eux. Le spectateur est invité à s’installer dans une posture de témoin du quotidien, à s’immerger dans les micro-récits de personnes absentes et à s’en approprier l’image. Dès lors qu’elles ont été enregistrées à différents endroits et retravaillées en fonction de leur rythme, de leur sonorité, de leur pertinence, les voix prennent une dimension sculpturale, voire architecturale, et peuvent amener une réflexion sur l’expérience de l’Autre dans un contexte donné.
On peut lire entre les lignes une volonté de mener ce travail comme une enquête de terrain, tout en laissant émerger une forme de poésie du territoire. En filigrane, une prise de position face à l’intolérance sociale qui nécrose les sociétés humaines, notamment dans les contextes de crises migratoires que l’Histoire a en fait toujours connues.

Toutes mes peintures naissent du désir de saisir la poésie de ces instants qui entraînent à l’évasion, à la rêverie. Je cherche à saisir ce que je vois et ce qui m’émeut de ces instants. Je brûle de les noter, de les exprimer, de les traduire. Je brûle d’en dire l’intensité qui m’a submergée. Ces instants notés se transforment et deviennent des images, des songes qui s’inspirent de la réalité, des souvenirs de paysages à la fois réels et rêvés.

Mon travail s’articule autour de l’image et du cadrage dans des lieux de recherche, d’activité qui donnent naissance à des paysages uniques. De ces territoires latents se créé une fluidité dont la fréquence d’évolution est propre à celle du travail de l’être humain. Les différents moyens techniques de captation que j’utilise pour produire mes images numériques tentent de questionner la nature même de ces espaces et de leur temporalité qui, en fonction du regard que l’on pose sur eux, deviennent paysages, lieux de travail, terrains d’exploration, de jeu ou de contemplation.

Mon travail questionne toujours l’image, de sa création jusqu’à sa diffusion. Dans mes dernières pièces, il s’agit d’interroger la place de l’image (surtout l’image photographique) à l’heure où celle-ci devient de plus en plus immatérielle et instantanée, aussitôt captée, aussitôt oubliée. Quelle incidence cette omniprésence de l’image a-t-elle sur le sujet même de ces photographies, et en particulier, le vivant ? Comment celui-ci devient-il image plus que sujet à travers sa reproduction ?
En m’appropriant des images trouvées sur Internet ou récupérées dans des encyclopédies datant des années 1970-80, je tente d’aller au-delà de l’image en utilisant la sculpture et la peinture pour que celle-ci retrouve une place et une certaine matérialité au sein de l’exposition.

« L’espace est mon médium », nous dit Léo Sallez. Le but de son projet est de faire émerger une proposition du lieu d’exposition plutôt que de lui imposer une oeuvre. L’idée est de travailler avec les matières qui le composent, son histoire et son quotidien.
Les bâtiments sont à voir comme des machines qui possèdent leurs propres systèmes de fonctionnement et de flux d’énergie (canalisation, aérations, installations électriques…). Ils sont à considérer comme des entités propres avec leurs critères et leurs spécificités. Il faut ajouter à cela que son travail s’inscrit dans une dynamique in situ. Par conséquent, il s’agit d’une collaboration avec le musée des Beaux-Arts, son architecture, son histoire. Cette démarche cherche à construire un projet avec l’existant, car comme a pu le dire Jason Dodge : « l’invention vient en relation avec des choses qui existent ou des choses que tout un chacun fait dans sa vie quotidienne ». (Jason Dodge – Interview, 2011).
Accueilli en résidence à la Fileuse – Friche Artistique de Reims

« J’ai grandi avec ces tapis aux motifs orientaux. Ils appartenaient à mes parents, à mes amis, à mes oncles. Ces tapis me sont si familiers par leurs motifs que je les assimile à des photos de famille. Ces tapis recouvraient le coeur du foyer familial, le salon de 17m2 où j’ai grandi en banlieue parisienne. C’est dans cette partie de l’appartement que nous échangions avec ma famille, autour de notre double culture franco-algérienne. Ces tapis orientaux côtoyaient à l’époque nos baskets Nike au quotidien. Une fois décousus, ces photos de famille reflètent la fragilité d’une double identité.
De la même manière que dans mon et notre enfance, je recouvre le sol de l’espace d’exposition des tapis que l’on m’a donné, tel un album de famille. J’ai extrait les tapis de leur espace habituel de- puis soixante ans, des intérieurs de mes parents, de mes oncles, des membres de ma famille. Chaque tapis, chaque photo, a son caractère, son identité. On se déplace à tâtons dans une histoire familiale, dans une double culture, fragile, pour ensuite prendre le large. »
Accueillie en résidence à la Fileuse – Friche Artistique de Reims

Portée par des réflexions qui interrogent la relation entre éthique et esthétique, le travail de Zoé Cosson s’intéresse de près aux dispositifs de contrôle, de circulation et de visionnage qui pullulent et saturent l’espace urbain dans ce qu’elle appelle « la ville misanthrope ». Ces dispositifs, qui sont avant tout disposition, induisent aussi bien des comportements, que des manières de consommer les images.
Fascinée par la vacuité de ces lieux mais aussi par leur caractère insidieux, elle tente d’explorer cette forme d’inadéquation entre notre corps et son environnement matériel, de révéler le malaise que ces dispositifs suscitent par leur perfection douteuse, par leur planification mécanique, par leur artificialité.
Après une attention particulière accordée aux rond-points, aux plantes de hall d’immeuble ou encore aux aire de jeux, ces deux installations vidéo s’agrippent à des lieux aussi insignifiants qu’une salle d’attente ou aussi dérisoire qu’un salon de toilettage canin. En jouant avec leurs codes esthétiques, leurs structures génériques, Zoé Cosson s’intéresse au décalage entre le décor et la fonction, entre le modèle et la réalité. A travers une pratique hybride (image, écriture et installation vidéo) qui procède par collages, superpositions, recadrages, éclatement de l’image dans l’espace, elle propose une nouvelle lecture sensible de ces lieux standardisés, normés, cliniques, par le biais d’un dispositif de visionnage, sans doute plus important que les images elles-mêmes.

A l’heure d’une technologie de pointe et d’un numérique ultra performant,
la pratique du dessin se réinvente. L’actualité l’oriente, la
désoriente.
Hélène Kelhetter parle de sa mémoire comme d’une matière composée de centaines de capture d’écran enregistrées
dans ses carnets. Ces carnets l’accompagnent depuis
plusieurs années lors de ses déplacements. Ils sont la traduction
de ses rencontres avec les paysages et les architectures. Ils refléchissent l’histoire du monde et sa sensibilité face à celle-ci.
A partir de cette data de visuels, elle recompose en utilisant des
détails de ces dessins de nouvelles propositions, des projections
mentales. La vidéo est un outil qui permet d’emmener ailleurs le
dessin. Il devient alors un plan fixe, un zoom, un personnage derrière
la caméra et se tient tout autrement que sur la feuille de papier.
Il prend vie dans l’espace et est accueilli dans l’univers de la
troisième dimension.

Oscillation entre surface et épaisseur. Victoria David conçoit ses pièces comme des surfaces colorées, jouant sur l’épaisseur et le volume. Elle interroge la matière et la couleur, qui sont le moteur de toutes ses expérimentations. “Je pense la sculpture comme une peinture, mettant en avant la teinte et la surface”, nous dit- elle.
Ces sculptures en papier mâché s’intitulent Bobines, elles sont à la fois condensées à l’extérieur et vides à l’intérieur. Le dialogue entre les oeuvres exposées du musée et Bobines est inévitable. En effet, ces sculptures abstraites peuvent être interprétées comme des fragments séchés de peinture, flottant dans l’espace muséal et faisant lien avec les tableaux.
Accueillie en résidence à la Fileuse – Friche Artistique de Reims

Un marché le mardi 26 juin

Installation
Matériaux mixtes, dimensions variables.

« J’ai choisis d’interpréter plastiquement les marchés de plein vent. Tout d’abord car ils sont le reflet de mon enfance sur les marchés de montagne. Mais également par leur rapport au quotidien, à la durée, et plus particulièrement au montage. Chaque stand s’assemble tôt le matin sur une place vide, les uns à côté des autres, afin de crée un bloc de mouvement durée sur un temps déterminé. Une fois la matinée passée, on remballe, on replie, on démonte, jusqu’au jour suivant. Chaque jour est différent et pourtant, il n’est jamais vraiment le même. Un grand théâtre à ciel ouvert se déploie.
Chaque sculpture présente dans cette installation, est intimement liée aux stands de marchés, par la récupération de matériaux usagés, leur détournement. Chaque présentation est différente, la mise en scène de ce marché change au gré des saisons, elle s’adapte à l’espace qui l’accueil. Ainsi, les potentialités de narration au sein du même projet deviennent infiniment récurrente et légèrement différente. »

Un mercredi après-midi dans l’escalier du Musée des Beaux Arts est une adaptation d’une performance que Pauline Jocteur Monrozier a présenté à l’occasion de son DNSEP Art en juin 2018, intitulée Un mardi après-midi au parc de La Patte d’Oie. Prenant comme nouveau contexte le musée des Beaux Arts de Reims, une autre performance se dessine avec, en toile de fond, le grand escalier du musée. En collaboration avec un groupe d’une dizaine de personnes, Pauline Jocteur Monrozier amène chacun.e à trouver une action, inspirée d’un geste quotidien. Se constituant en un ensemble rythmé, inscrit dans l’espace, les différentes interventions sont effectuées selon un enchaînement précis. Cette partition, répétée en boucle, forme une symphonie de gestes et de sons, un tout harmonieux dans lequel chaque individualité devient indispensable.

Zoé COSSON – Point Rond
Victoria DAVID – Mille-feuilles
Hélène KELHETTER – Plonger au fond de l’inconnu pour trouver du nouveau
Thomas SCHMAHL – La température de l’élastique
Léo SALLEZ – L’art comme expression du quotidien

Images du projet de Juan Ignacio Lopez, produit en juin 2016, pour son diplôme de master en Art à l’ESAD.

Images du projet de Damien Giraudo, produit en juin 2016, pour son diplôme de master en Art à l’ESAD.

Images du projet d’Hélène Cayet, produit en juin 2015, pour son diplôme de master en art à l’ESAD.

Images du projet de Jordane Saunal, produit en juin 2015, pour son diplôme de master en art à l’ESAD.

Pour inaugurer l’année 2015, Le Centre d’Art – Marnay Art Center CAMAC, invite en résidence de création l’Esad de Reims. Les étudiants de 2ème et 3ème année de l’option Art sont invités à séjourner, travailler, produire dans le cadre d’un workshop d’une semaine in situ. Les œuvres qui auront été produites à l’issue de cette résidence seront exposées durant 3 semaines dans la galerie.

SUMMERTIME, est le titre d’une chanson composée en 1935 par Georges Gershwin. Cette chanson est devenue rapidement un standard du jazz (Charlie Parker, Sydney Bechet, Billye Holiday…) et a été aussi reprise par de nombreux groupes et chanteurs (The Doors, Janis Joplin, Nina Hagen…) Ce titre choisi, fait référence à l’histoire de ce lieu de résidence secondaire, fondé par Daniel Filipacchi, grand amateur de musique. Dans cet « havre de paix » les plus grandes voix du jazz ont résonné et habitent encore le lieu… Ainsi, le titre de l’exposition «summertime» raisonne comme un refrain en hiver et comme la promesse d’un temps suspendu à venir…

Les étudiants seront invités à produire en groupe ou individuellement des projets artistiques dans le prolongement de leurs projets personnels qui interrogeront le paysage, le territoire et l’espace dans lequel ils résident, tant au niveau géographique qu’historique. Les œuvres seront produites «in situ» et habiteront l’espace de la galerie pour quelques semaines.

Lors de la mission d’études organisée par l’ORCCA du 3 au 5 juin 2013, afin d’établir dans le champ culturel des échanges entre la région Champagne-Ardenne et la Vysocina en République Tchèque, Claire Peillod, directrice de l’ESAD est entrée en contact avec différents acteurs locaux, et notamment le proviseur et les professeurs du lycée Světla Nad Sázavou . Ce projet est né de cette visite, qui a réuni, dans un second temps, les professeurs concernés, lors de la venue de la délégation tchèque à Reims le 9 avril 2014. Enseignants : Giuseppe Gabellone et Alexandre Ovize, artistes et professeurs à l’ESAD de Reims. Etudiants concernés : 3^e année option art et des lycéens de Svetla Nad Sazavou. Ce workshop s’est développé à partir de deux matériaux : le verre et la céramique, permettant aux étudiants d’expérimenter et de jouer des contraintes sculpturales et conceptuelles de ces deux matériaux. Les projets ont été développé en amont à Reims, de façon à optimiser le temps et la rencontre sur place. Ce workshop a été l’occasion pour les étudiants de se confronter à un système d’élaboration, de mise en place du projet et de réalisation, ainsi qu’à un échange avec des lycéens. Le sujet de recherche est libre. Les étudiants en troisième année ont travailé chacun leur propre projet. Les ateliers du lycée Světla Nad Sázavou ont été mis à disposition pour les réalisations (verres, vitrage, céramique, porcelaine, taille de pierre, forge, …) et les lycéens ont accompagné les étudiants de l’ESAD dans la production de leur projet.

C’est ma position face à la situation sociale de mon pays, la Colombie. Etabli depuis huit ans en Europe pour faire mes études, j’ai du de vivre une adaptation culturelle, une transformation, qui est devenue centrale dans mon travail plastique.

« Désagrégation » sable, pupitre, 1mx70cmx3m Je retrouve la nécessité sociale d’un contrôle, dans mes souvenirs d’enfance, comme dans cette fortification éphémère qu’est le château de sable. Déjà à la petite l’école, assis à ma place prédéfinie par la forme du pupitre, -un espace optimal pour un conditionnement socioculturel des nouveaux esprits-, on se confronte à son voisin. Chacun construit dans son imaginaire un futur, comme le chateau de sable d’un jeu d’enfant. Cette tour reste un rêve d’enfant, une architecture éphémère et une allégorie de la contrainte imposée .

« Scutum » 30 boucliers en acier faits à la main. 7mx3m
Un Mur, une allégorie du contrôle et la force, une limite, l’extérieur ou intérieur, une esthétique de perturbation et œuvre contextuelle. Elle est composée de bouclier de forme romaine en acier avec lesquels je délimite l’espace, pour figurer une barrière. C’est le geste de résistance qui est au centre de l’œuvre : une non-architecture, un décor politique que ne sert à rien et que quelqu’un de déterminé pourra toujours franchir

Extrait du mémoire : Ruines en chantier

« Venant d’une famille paysanne, fortement ancrée sur le territoire des Ardennes, mon approche artistique, autant pratique que théorique, s’est portée sur des mouvements proches de l’environnement, du territoire, et de leur évolution dans le temps. J’ai souvent été alerté autour des problèmes, des menaces que pourraient rencontrer ces territoires, urbains et ruraux, habités ou non. Savoir de quelles manières nous utilisons ce territoire, en quoi et vers quoi nous le modelons, nous le façonnons et le faisons évoluer. Comme point de départ, nous mesurerons à quel point la pratique de Robert Smithson trouve un écho dans les questions contemporaines, cinématographiques, esthétiques et sociales. L’héritage qu’il a laissé dans le milieu artistique est important. Le «paysage entropique» smithsonien, nous amènera à réfléchir sur les ruines que nous a léguées l’histoire, de ce que nous laisserons derrière nous après notre passage sur terre. Et ainsi étudier le rapport qu’entretient l’homme aux ruines, à la destruction et à la catastrophe en fonction des diverses conceptions du temps, de l’histoire et de la mémoire. Terre Ardennaise meurtrie par deux grandes guerres successives, l’importance de la transmission de l’histoire et de la mémoire des ruines ont engendré mon besoin personnel d’écrire sur ces thèmes. Quelle responsabilité avons-nous face aux ruines? Quelle attention devons-nous porter sur celles-ci ? Pourquoi avons-nous peur de ce vide et de cette disparition et cherchons-nous à les remplacer par un plein ou par une construction ? Par quelle énigme les ruines peuvent-elles gagner une importance poétique voire esthétique ? […] Près de cinquante ans après The Monuments of Passaic, Bruce Bégout nous parle dans son essai Suburbia, de ce qu’occasionnent aujourd’hui les banlieues, les «slurbs», que nous mettait en images Robert Smithson. Cet essai Suburbia définit avec beaucoup de justesse et de précautions ce qu’est justement la suburbia. Enrichi d’informations complémentaires à caractère sociologique, il nous présente l’extension des villes au-delà de leurs limites, de leur matérialité et nous renseigne sur la dissolution de l’urbain dans un espace sans centre ni périphérie, là où est condensée la négativité. Bruce Bégout nous éclaire sur la suburbia, autrement dit ces banlieues infinies où sont massés les habitants des sociétés contemporaines. On comprend mieux comment l’hyper-consumérisme, la pression écologique, la violence urbaine, le repli individualiste et défensif, l’enlaidissement des entrées de ville, la peur, l’isolement, le vide culturel, l’ennui peuvent avoir raison des replis populations qui y vivent. La suburbia, c’est aussi ce qui concentre nos névroses, et ce qui laisse advenir la négativité de l’existence. Bruce Bégout dépeint un espace clos en apparence sans valeur, sans sens et dépourvu de beauté, les hommes y cherchent une liberté qu’ils ne parviennent pas à conquérir. […] La suburbia, c’est aussi un espace infini qui ne connaîtrait pas de limite géographique, un territoire sans frontières, un espace dissolu où se perpétuent ce que Bégout appelle des « conglomérats » rassemblés les uns près des autres, produisant des êtres « urbains » à la fois sans repères et non repérés, perdus dans le faubourg, dans la masse. […] »