J’arpente depuis de longues années les ressourceries. À travers elles, j’en apprends beaucoup sur notre culture matérielle, son renouvellement et son rythme. L’action de chiner me permet d’irriguer ma réflexion et mon inspiration. Ma pratique de collectionneuse d’objets et d’images de « seconde main » est au point de départ de ce projet. 

Pour D’un objet à l’autre, j’ai établi un protocole de création basé sur la récupération et la réappropriation d’objets et de matières. Interroger et explorer le potentiel des rebuts a été ma démarche, avec pour ambition d’aboutir à la production d’objets uniques.

Cette série est donc le résultat d’une enquête portant sur les rebuts de notre surproduction. 

C’est en créant de nouveaux objets à partir de ces rebuts, en questionnant l’objet industriel et en en intégrant les limites, qu’un changement de valeurs s’opère. C’est ce passage du produit industriel vers une pratique artisanale que j’ai souhaité rendre à travers cette collection d’objets.

L’obsolescence d’un objet intervient quand le lien entre l’utilisateur et cet objet est rompu. De nombreux facteurs l’expliquent : le manque de fonctionnalité de l’objet, les changements de mœurs, les modes ou tout simplement l’obsolescence programmée… Cet événement semble être inévitable pour tout objet. Pourtant, certains résistent mieux que d’autres. Ils réussissent à conserver leur « relation» avec l’utilisateur et à survivre hors du contexte temporel dans lequel ils ont été créés. Ces objets ont su, grâce à leur intelligence de conception, durer. Forts de leurs caractéristiques, ils n’ont pas – ou très peu – changé de forme depuis leur création. C’est ce type d’objet en particulier qui m’a captivée, à partir duquel j’ai conçu mon projet. 

Pour amorcer mon travail, j’ai sélectionné plusieurs objets comme le trombone, la barrette, l’anneau du trousseau de clés… L’idée était, ensuite, de transposer les nombreuses qualités de ces objets vers une destination inattendue. Les caractéristiques de l’anneau – sa résistance et le fait qu’il soit si facile à manipuler – ont particulièrement retenu mon attention. Ces qualités me semblaient intéressantes à transposer dans un autre objet : le sac. 

Les sacs que je présente sont conçus en une seule pièce, sans couture ni colle. Allié au cuir, l’anneau change de langage. Grâce à ce type d’attache, les sacs peuvent être montés facilement par tout un chacun. Il y a un plaisir à les manipuler. La manipulation de l’objet étant au cœur de mon projet, il était important pour moi que l’on puisse s’approprier l’objet ainsi produit, par le geste.

Dès le début du 21^e siècle, des études scientifiques démontrent que l’accès à la nature est une nécessité vitale pour la santé physique et psychique de l’être humain. Pourtant, notre rapport à la nature se dégrade et se perd. Les êtres humains sont en permanence coupés des saisons et finissent par se détacher complètement des paysages qui les entourent et, globalement, de l’Environnement. 

Comme l’exprime le philosophe François Jullien, « Le paysage n’est plus affaire de « vue », mais du vivre ! »*. Pour renouer avec cette nature, je décide de vivre ma propre expérience. Mon travail se construit autour des paysages de Fontainebleau et des trois éléments-clés, représentatifs de ce lieu : le sable, la roche en grès et le végétal. Fontainebleau, avec ses ressources naturelles, devient pour moi – en tant que designer-cueilleur – un terrain d’expérimentation et de production, pour créer un répertoire de formes, de couleurs et de matières.

*Citation extraite de Vivre de paysage ou L’impensé de la Raison. 

À travers ce projet, j’interroge la possibilité de réintroduire certains déchets encore inexploités dans une dynamique de réemploi (récupération/transformation/valorisation), transparente et accessible. Après avoir analysé les 7 familles de plastique existantes, j’ai choisi de valoriser le Polyéthylène Basse Densité (PEBD). C’est le plastique que l’on retrouve le plus souvent dans nos sacs et emballages alimentaires jetables. Bien que présentant des caractéristiques intéressantes, cette matière est encore peu recyclée. 

Considérant que le designer est aujourd’hui le créateur d’un processus plus que d’un produit fini, je vous invite à entrer dans mon atelier de réemploi du PEBD où des expérimentations ont cours. Ici, sont réalisées des cordes et des surfaces qui sont le résultat d’essais de transformation du sac plastique. Cette présentation constitue une étape dans cette recherche de la viabilité d’un projet en constante évolution. À terme, ce processus vise à trouver à ces « semi-finis » un domaine d’application viable.   

Dans un contexte où notre monde s’hybride de plus en plus entre physique et numérique, ce projet questionne les relations sociales et interpersonnelles que nous entretenons à distance à travers le numérique. Il est basé sur la notion d’espace hybride qui traite la façon dont l’environnement numérique cohabite avec l’espace physique en cohérence avec ses dimensions spatiales.

En utilisant des technologies de captation 3D et vidéo, et d’affichage holographique, j’ai développé un dispositif qui permet de spatialiser un affichage numérique et de créer un espace commun en s’affranchissant de tout dispositif à porter ou à manipuler (comme les casques de réalité virtuelle ou les téléphones). Ce dispositif vise à apporter de la sensibilité et du partage dans les échanges à distance à travers le numérique, s’approchant au mieux des échanges que nous entretenons dans l’espace physique.

Destiné à un usage domestique, le dispositif prend place dans un bureau dont la configuration est personnalisable et permet à deux personnes distantes d’échanger ou de travailler ensemble, en partageant la même surface et les mêmes supports de travail. En plus de mettre en relation des personnes, il peut aussi être considéré comme une fenêtre d’accès à des mondes numériques spatialisés dans l’espace physique. 

Lorsqu’on parle d’habiter un lieu, on parle d’une succession d’habitudes qui sont plus ou moins subies, telles que manger, dormir, prendre soin de soi, se réchauffer, s’éclairer, se détendre, mais aussi travailler, ranger, circuler, etc. – des habitudes répondant le plus souvent à des besoins vitaux, mais rarement questionnées dans le dispositif architectural contemporain des logements modestes. 

Pour manger, on a besoin d’un espace pour cuisiner et d’un autre où s’installer pour assimiler son repas. Pour travailler convenablement, certains ont besoin de calme, d’autres d’outils. On cherche un espace frais et reposant pour dormir et se détendre, un espace convivial pour accueillir des amis, un espace où se réchauffer en hiver… Chacune de ces « habitudes de vie » a, pour son bon déroulement, besoin d’un espace qui lui soit propre et auquel doivent être attachées des qualités spécifiques qu’il me semble nécessaire de développer. 

Toutes ces situations sont donc sujettes à propositions. Questionner ces activités est un préalable nécessaire. Comment faire pour que ces situations deviennent « sujets d’expression » ? À travers mes propositions, j’ai souhaité aborder plusieurs notions liées à l’usage ou la pratique de l’espace domestique.
Comment générer des espaces transitionnels ? Comment repenser un meuble comme espace ? Comment passer d’un espace à un autre ?

L’enjeu de ces propositions n’est pas tant structurel ou technique, mais c’est en premier lieu un enjeu sensible qui réintroduit au-delà des possibilités de fonction, des formes d’imaginaire et des qualités d’espace.

Motivé par la volonté d’inclure les animaux à la ville et de leur rendre la place qu’elle ne cesse de leur prendre, Écosystème urbain est un projet d’aménagement qui leur est dédié. Depuis toujours, la ville est conçue dans un anthropocentrisme permanent, oubliant que la nature comporte une multitude d’espèces. Pourtant, sa construction n’est centrée que sur une seule d’entre elles. Nous assistons à l’exode d’animaux qui sont de plus en plus nombreux à s’installer en ville et ce dans le monde entier. Cet espace pensé historiquement contre la nature, et donc contre les animaux, n’offre pourtant pas le meilleur des milieux de vie. Cependant, faute de pouvoir régler le problème écologique en un claquement de doigts, la ville offre à ces espèces liminaires ressources et abris de substitution, d’où leur nombre croissant.

Ce projet est né de la volonté d’amener le design pour d’autres usagers et espèces que l’humain. Créer, questionner et répondre à des problématiques, des besoins liés aux animaux. Comment les protéger et rendre meilleur leur quotidien ?

Comment, en tant que designeuse, je peux agir pour favoriser l’intégration des animaux à la ville ? À partir de cette problématique, le projet prend la forme d’habitats aménagés sur les toits, prenant en considération les besoins et les habitudes des espèces locales de la ville de Reims. Choix de végétation, circulation, étude de la chaîne alimentaire et abris composent les différents milieux créés pour offrir plus de place et de ressources aux animaux de la ville.

Comment intervenir dans l’espace pour créer de nouveaux rapports entre les humains, entre l’humain et son environnement, et entre l’humain et son temps ? Je choisis de contextualiser mon  travail dans la ville d’Amiens. Construite sur l’eau, Amiens se dessine entre ville et nature autour des hortillonnages (îlots maraîchers). L’une des techniques de retenue de la terre de ces îlots était le fascinage, un procédé de tressage du saule vivant. Pendant longtemps voué à l’abandon, le site est aujourd’hui entretenu dans une volonté de préservation et de valorisation.

Le projet est une proposition de plusieurs implantations dans la ville aux abords des hortillonnages. Les sites choisis sont des espaces de passage à la lisière entre la ville et la nature. Je transpose  l’utilisation de cette matière naturelle et cette technique qu’est le fascinage pour la fabrication d’installations : points de vue, assises et scénette.

Ainsi, le projet fait sens à différents niveaux :

• Environnemental : il donne à voir et sensibilise à un matériau naturel productible dans la région en réinventant ses formes d’utilisation ;
• Culturel et historique : visibles par tous, les installations servent d’outils de médiation pour valoriser l’histoire des hortillonnages et ses techniques ;
• Spatial : il crée de nouveaux temps de pause dans la ville et permet de vivre et voir autrement des espaces habituellement traversés ;
• Sociétal : le projet est voué à être réalisé de manière collective et à évoluer entre les mains des participants.

Concerné par les enjeux environnementaux inhérents au secteur du bâtiment, Urbanivore est un projet qui a pour but de développer des processus de réutilisation des déchets produits lors des différents étapes du cycle de vie des bâtiments : construction, démolition, rénovation  ou réhabilitation. Ce projet est né d’un travail de recherches sur les matériaux, les déchets, leurs modes de traitements et les impacts qui en  découlent. En effet, aujourd’hui, le secteur du bâtiment est le plus gros producteur de déchets dans notre pays. Ces derniers sont traités par  différents processus : recyclage, enfouissement et incinération. Ces opérations sont polluantes, nécessitent parfois des ressources naturelles et dévalorisent la matière des déchets.

La réutilisation est un procédé par lequel des matières ou produits devenus des déchets peuvent être utilisés de nouveau. Elle présente de  nombreux avantages et enjeux écologiques, économiques et sociaux. Les déchets sont alors réutilisés dans un nouveau cycle de construction.  Par exemple, utiliser des huisseries de fenêtres en bois et des morceaux de carrelage pour revêtir les sols, ou encore des bribes de briques  alvéolaires, de la terre et des végétaux pour construire un mur alvéolaire.

Ces procédés s’adressent aux particuliers comme aux professionnels du bâtiment, et s’adaptent aux chantiers et aux gisements de déchets. Ils  permettent de lutter contre la raréfaction des ressources en optimisant les matériaux, issus de la démolition, déjà à notre disposition.

La terre est une matière première universelle puisqu’elle est présente dans le monde entier. Et pourtant, elle est particulière : son aspect, ses  propriétés, son histoire et son utilisation seront différents pour chaque localité. Elle est singulière. Elle reflète également l’identité culturelle  d’un village ou d’une région, que ce soit la fabrication des bâtis ou des savoir-faire artisanaux propres à son exploitation.

J’ai travaillé sur la géologie de la Montagne de Reims qui possède un riche passé historique : la région était engloutie par la mer et a connu plusieurs climats qui ont créé différentes couches de terres variées (la craie, le beurge, la lignite, la meulière, etc.). Documentations,  photographies in situ, travail éditorial puis dessins d’interprétations m’ont menés à l’imagination d’une scénographie narrative, nous faisant  voyager dans les différentes terres de la région, à travers une mise en oeuvre plastique racontant les caractéristiques de chaque terre. Ce  principe de scénographie pourrait être adapté à chaque territoire pour permettre de créer une connexion entre les habitants et leur région.

Sans titre résulte d’une recherche menée sur la manière de dessiner directement avec de la matière, pensée en tant que support et technique.  La matière s’est imposée dès l’origine de ce projet car cela permet une expression totalement libre, sans aucune contrainte.

Par ces recherches, j’utilise les capacités et les qualités de ces différents matériaux afin de rendre lisibles mes objets. Il s’agit de les rendre  significatifs, de chercher à travailler des formes dont les particularités s’expriment à travers ces objets.

La matière n’est pas seulement la base du projet : elle devient le sujet.

Admiratrice depuis de nombreuses années du travail de la main, j’ai une sensibilité marquée pour le textile. L’écriture de mon mémoire a été l’occasion de mener une recherche dans un champ de  l’artisanat qui me passionne depuis l’enfance : la broderie. Dans son utilisation traditionnelle, elle s’ajoute sur un textile de manière localisée et ponctuelle pour orner et décorer. Mon objectif est  d’expérimenter et d’observer ce savoir-faire à des échelles telles que l’objet, l’espace et le corps pour lui découvrir de nouvelles applications et qualités techniques.

De nombreuses directions et possibilités ont émergé. Une première recherche à l’échelle de l’objet sur des lignes de points de broderie qui m’emmène vers la réalisation de charnières et  d’assemblages raffinés et esthétiques. La suite de mon travail s’est orientée vers de la broderie à l’aide de l’imprimante 3D, une technique de fabrication dite additive qui procède par ajout de  matière.

De cette recherche est née une banque d’expérimentations, une diversité de points a été imprimée sur différents textiles. Cette recherche esthétique a permis de développer plusieurs pistes telles  que la haute visibilité, le raccommodage, les systèmes de fermeture et la réalisation de poche. Chaque phase d’expérimentation était un défi tant du point de vue technique que dans l’esthétique,  dans les applications et dans les utilisations.

Le dessin en 3 chapitres.

Ce projet est pour moi l’occasion de raconter une histoire : celle de la construction d’un dessin, d’une écriture. Pour cela, j’ai dû créer des outils à dessiner qui soient capables de me guider tout au  long de mon processus de création.

Les 3 chapitres de ce projet sont les suivants :

• Chapitre 1 : les outils à dessin
• Chapitre 2 : le dessin en tant que composition
• Chapitre 3 : l’interprétation en volume du dessin

Concert de poche est un projet de réflexion sur le format des concerts dans le monde urbain. Je l’ai pensé dans la continuité de mon mémoire que j’ai écrit sur le parallèle entre les free-party et les  fêtes techno institutionnalisées. Ce projet repense les concerts dans le monde urbain, tant au niveau de leur format que de leur accessibilité. Proposer des concerts de plus petite envergure permet  de découvrir des artistes qui ne jouent pas spécialement dans de grandes salles de concert, ainsi que de créer davantage de liens sociaux.

Je présente ici une structure évolutive permettant d’accueillir musiciens et spectateurs. Grâce à son assemblage technique, elle peut se déployer à différents diamètres allant de 2 à 8 mètres,  s’installe sans techniciens et se replie en son centre, permettant un transport plus facile. Le motif créé par l’assemblage interpelle, signale et dessine l’événement dans l’espace. La toiture pliable  permet, en cas d’intempéries, de maintenir l’événement organisé.

Toutes ces caractéristiques techniques ont été inspirées des différentes observations que j’ai pu mener dans les free-party, fêtes spontanées, installées avec une rapidité impressionnante grâce à un matériel adapté.

Ce travail plastique a pour point de départ une réflexion sur nos relations sensibles avec notre environnement. Comment assimilons-nous ces expériences et de quelle manière nous influencent-elles au quotidien ? En tant que designer, ces rencontres sont-elles des sources d’inspiration ?

Mes inspirations découlent d’observations quotidiennes. Je choisis de les exprimer dans un premier temps par l’intermédiaire du dessin. À partir d’expériences et de souvenirs vécus, je précise les effets, les sensations, les impressions qui m’ont interpellés et qui sont sources de réflexion. Instinctivement, je me suis orientée vers une escapade en pleine nature dont les déambulations  permettent, l’espace d’un sentier, de se tenir à distance d’un environnement urbain écrasant.

Le fondement du projet s’appuie donc sur une recherche personnelle et onirique, une tentative de transformation de ces ressentis en projets, via différentes techniques et médiums. Ces  impressions et ressentis prennent corps dans l’espace par l’intermédiaire de différents dispositifs en travaillant la matérialité, l’échelle, le rythme ou les gammes chromatiques afin d’exprimer au  mieux chacun d’entre eux.

J’imagine finalement Sensorium comme un espace dans lequel différents dispositifs artistiques deviennent autonomes et décrivent une ambiance. Il s’agit donc de prendre le temps de déambuler,  et ainsi, chacun est invité à vivre sa propre expérience.

Les progrès de l’intelligence artificielle font entrer dans la vie quotidienne de nombreux objets dits intelligents. Ces derniers nécessitent de récolter des données pour apprendre et s’adapter.  Partant du constat que ces données sont généralement collectées de façon implicite, je me suis interrogé sur l’idée d’un objet témoignant d’une curiosité à l’égard de l’utilisateur.

Je tente ainsi d’adapter ma pratique du design : tel un character designer, il s’agit de concevoir non seulement l’enveloppe mais également le comportement de l’objet en adéquation avec son fonctionnement.

La première phase de ce projet vise à définir la curiosité en termes de comportement. Pour cela, j’ai demandé à des participants de mimer les différents mouvements qui permettraient à une forme simple d’exprimer de la curiosité. Par la suite, j’ai conçu plusieurs structures motorisées pour tester physiquement les comportements évoqués dans la première expérience. Enfin, j’ai réalisé un film mettant en scène la cohabitation fictive entre un humain et un objet curieux dédié à l’optimisation du confort domestique. Cette recherche a vocation à concevoir des outils et des méthodes adaptées à ce nouveau paradigme du design d’interaction, mais aussi à sensibiliser quant aux dérives potentielles d’une collecte de données non-consentie.

Certains objets ont ce « truc » que nous ne saurions décrire, mais que nous ressentons si profondément. Ce sont des objets que nous gardons pour diverses raisons, parfois inconnues ou liées à un fragment de notre histoire. Nous pouvons en hériter, les trouver, les acquérir ou encore les fabriquer. Ces « objets-mémoire », fétiches de notre quotidien, sont au cœur de ma démarche de design. De la réflexion anthropologique à la création de dispositifs de monstration, comment générer des agencements polymorphes et flexibles à toute typologie d’objets ?

Ligaturer, suspendre, dévoiler, dissimuler, pincer… À partir d’un vocabulaire de forme, de matière, de couleur, diriger le regard, susciter le désir et confronter des matières, des pleins et des vides. Mettre en lumière ce qui rend un objet puissant.

Sont nées de mes recherches des structures personnifiées, totems aux noms de « Chose A » et « Chose C ». Elles sont issues d’outils et de matériaux précontraints récupérés à l’atelier, mes « moyens du bord », soustraits à leur scénario d’usage, contraints à des rapprochements, des compromis inédits. Ces choses « parlent » et racontent par les choix opérés, par les outils et les techniques empruntées, une part d’intime insufflée dans la réalisation et qui résonne comme une « chose secrète ».

Photographe : Anne Lemaître

Aujourd’hui, nous nous intéressons de plus en plus à la pratique artisanale, dont la céramique. Il est évident que voir son travail devenir un objet concret donne une certaine satisfaction, que nous pouvons mettre en contraste avec la plupart des métiers de nos jours. Cela dit, un savoir-faire ancestral comme celui de la céramique se situe souvent à un niveau d’expertise inaccessible. Comment rendre cette pratique plus abordable et plus objective ?

Ce projet établit un protocole pour travailler la céramique, qui se situe entre la fabrication entièrement manuelle et industrielle. À l’aide des outils comme la boudineuse, les emporte-pièces, les douilles et les moules, la mise en forme de la terre solide ou liquide devient presque enfantine. La main joue alors un rôle précieux : elle profite de la sensation du toucher avec les différentes textures de terre et vit pleinement une expérience de création.

Ce protocole forme des pièces en céramique dont le processus de fabrication est lisible. Sans ajouter ni enlever de la matière, le décor fait partie intégrante de la forme et raconte l’histoire de la pièce en reliant la forme à la fonction. Ceci permet aux utilisateurs de comprendre ce qu’ils ont entre les mains. L’usager n’est donc plus un simple consommateur mais un lecteur de la céramique.

Photographe : Anne Lemaître

Ce projet est une recherche autour de l’évolution formelle d’objets existants, passés et oubliés. À partir d’une collection d’objets récupérés grâce à des applications de dons d’objets entre particuliers, des Emmaüs et Secours populaires, je me questionne sur la manière de produire une série d’objets qui accouchent de ces formes abandonnées.

Suite à des expérimentations autour du moulage de ces objets en latex, je me sers de la souplesse de ces moules pour intervenir sur l’enveloppe des objets de base. Nous assistons dans un premier temps à une recherche de déformation traduite par des tirages en plâtre, issus de ces moules en latex souples et déformés à l’aide d’un outil particulier, d’une machine. Ainsi, la forme de ces objets oubliés évolue, s’étire et s’étend au sein d’une série. Ensuite, une seconde phase de moulage de ces nouveaux tirages s’établit, en plâtre cette fois-ci. De cette manière, je peux à nouveau rendre ces nouvelles formes creuses et elles redeviennent des objets. Nous découvrons alors à une série de vases en céramique dont la forme est entièrement dirigée par un processus technique et artisanal. Il est intéressant d’imaginer qu’il s’agit de la descendance de ces objets oubliés, de leur évolution naturelle.

Photographe : Anne Lemaître

Aujourd’hui, la maison est pensée par compartiments où chaque pièce a sa fonction et chaque objet sa place. Cette organisation immobilise autant notre corps que notre esprit. L’adulte en vient même à perdre l’expérience de l’espace, parfois jusqu’à réprimander l’enfant qui voudrait s’asseoir sur la table ou manger par terre.

Ce projet est une réflexion sur la place que nous donnons ou non à la notion de liberté chez soi. Notre confort moderne occidental nous enferme dans une manière de disposer de notre corps dans l’espace, alors que le corps est capable de se mettre dans un nombre incalculable de positions. Il faudrait donc nous rendre capables d’oublier nos prédispositions à nous positionner toujours de la même manière et de laisser notre intuition guider notre corps pour trouver une position confortable sans avoir peur de souvent bouger. Cela fait travailler la motricité, la perception de soi et de ce qui nous entoure, ainsi que l’ouverture d’esprit.

Ces changements sur la perception corporelle et spatiale entraîneraient des modifications dans la manière de vivre avec l’autre et de voir son habitat. Tout cela crée un rapport dynamique entre le corps et l’espace chez soi, pour voir la pratique de son environnement domestique comme facteur de bien être, d’expression de soi et de liberté.

Photographe : Anne Lemaître

Alors que nous sommes à l’ère du numérique, nous assistons à un retour à l’artisanat qui s’accompagne d’une tendance actuelle : la craftérisation des produits de grande consommation.

Je ne souhaitais pas faire de mon travail un éloge nostalgique de nos savoir-faire ancestraux. Je préférais plutôt faire ressortir la sensibilité qui surgit de nos mains en mettant en exergue des nouveaux types d’artisanat en adéquation avec notre futur et qui sortent de leur aspect trop élitiste et destiné à un « petit nombre d’amateurs avertis ».

La première phase de ce projet a été une démarche expérimentale sur la matière à partir de l’alliance de deux matériaux : la terre crue et le papier recyclé. Mon choix a été orienté par leur aspect écologique et économique, mais aussi par leur souplesse technique. Cette combinaison de matières rappelle les techniques de construction utilisées depuis le néolithique, tel que le torchis.

L’objectif était donc de ramener cette matière à l’intérieur de l’espace domestique pour mettre à profit ses qualités thermiques et phoniques, tout en proposant des fonctionnalités propres à celui-ci (rangements, intégration de lumière, cimaises etc.). L’enjeu de ce projet reposait également sur la recherche d’un processus de fabrication simple, qui n’a pas besoin de l’expertise de l’artisan mais qui ne peut se faire sans la main de l’Homme.

Photographe : Anne Lemaître

En tant que designers, nous travaillons avec nos yeux et nos mains. Mais qu’en est-il de nos oreilles ? Aujourd’hui, soit l’écoute est individualisée et isolée par le port d’écouteurs ou de casque, soit le son est émis par un support audio qui fait subir à tous le son diffusé. Existerait-il une zone intermédiaire à explorer ? Comment redéfinir des zones d’écoute dans un plateau libre ?

Mon projet se construit par un processus itératif d’expérimentations qui consistent à observer la manière dont le son est transformé, reflété et absorbé par différents éléments. Par leur propriété réfléchissante, les ondes sonores peuvent être dirigées vers un point spécifique, tel un projecteur sonore. Ce dispositif permet de délimiter une zone qui amène un confort d‘écoute, sans fermer l’espace ni couper l’usager de son environnement. À l’intérieur de cette zone, la musique peut être appréciée à son maximum, mais quelques pas dehors et le son s’estompe peu à peu.

L’installation Phonurgia Nova réagit et amplifie les sons qui nous entourent. Installée dans des espaces naturels tels que le Jardin de la Patte d’Oie, elle permet d’entendre tantôt le vent qui souffle, l’eau qui ruisselle ou les oiseaux qui chantent. Sorte de miroir acoustique, il s’agit d’un monolithe sans électronique qui fonctionne de manière autonome. Tentant de redéfinir l’écoute dans un plateau libre, Phonurgia Nova questionne la place de l’objet d’écoute, ce qui est écouté et celui qui écoute.

Photographe : Anne Lemaître

La conception aéronautique peut-elle être accessible au design ? Ce projet présente trois aéronefs qui explicitent une façon de concevoir des systèmes complexes en plaçant le design dès la phase de préconception.

Les structures des trois avions sont dessinées par un algorithme dont les paramètres font office d’interface de travail entre les ingénieurs et les designers. Ainsi, le designer peut imaginer un avion, penser son usage et dessiner sa structure interne, et a posteriori les ingénieurs peuvent ajuster les paramètres, redimensionner les ailes et affiner les matériaux sans rendre obsolètes les choix du designer.

L’ATS est un drone de transport de fret permettant de transporter 10 kg à 150 km/h dans un rayon de 1000 km. Il est conçu selon des principes open source pour être fabriqué avec des matériaux simples, usinés par des machines familières des Fab Labs.

Photographe : Anne Lemaître

Ce projet propose de se saisir des temps de vacance de certains bâtiments dans les villes pour les réinvestir sous forme de logements de secours. Ainsi, l’objectif est d’accueillir sur de courtes durées des personnes en attente d’une solution face à un problème de logement. À cela s’ajoute aussi la volonté d’offrir au milieu associatif un outil lui permettant de déployer un lieu d’accueil quand ceux-ci font défaut.

Cette recherche s’articule à travers un travail de dessins et de maquettes qui engage une réflexion autour des questions de la vie quotidienne, des matériaux utilisés, de l’agencement des lieux et de leur mobilier.

De cette investigation découle une proposition basée sur un concept de parois en bois permettant d’accueillir divers éléments architecturaux, ainsi que du mobilier à accrocher. Ces parois ont été conçues dans le but de proposer un lieu capable de s’adapter et de se reconfigurer, tout en offrant le plus de confort possible à la personne accueillie.

Photographe : Anne Lemaître

Suite à mon mémoire, je me suis questionnée sur l’influence que peut avoir un lieu sur notre travail. Sur quels éléments puis-je jouer pour nous mettre dans l’état d’esprit le plus propice à travailler ?

Mes investigations m’ont guidé vers un « ailleurs » et un « autrement » loin de nos espaces de travail normés, pour aller dans la nature où je souhaitais induire un certain niveau de dépaysement par nos sens – la vue, l’ouïe, l’odorat et le toucher. Je voulais interroger notre rapport à un lieu de travail, lequel nous emmènerait ailleurs par les sensations qu’il nous procure.

J’ai concentré mes recherches sur la création de dispositifs qui favorisent la captation de toutes sortes de sensations en lien avec les lieux que j’ai choisis, toujours dans une optique de bien-être tant physique que mental. Ces expérimentations ont abouti à une installation sensible qui se rapproche davantage d’un lieu de ressourcement pouvant stimuler la créativité, plutôt que d’un lieu de travail bien équipé avec Wi-Fi et électricité. L’environnement devient alors un élément déclencheur de sensations et de sentiments, renforcés par les dispositifs créés.

Que se passe-t-il lorsque nous sortons de nos environnements quotidiens, entièrement axés sur l’efficacité, la rentabilité et surtout l’utile, pour nous retrouver dans un environnement basé sur l’émotion ? Quel est l’impact de ce dépaysement sur notre travail, et en particulier sur nous ?

Photographe : Anne Lemaître

Histoire contée

« Histoire contée » est le développement d’une démarche de création basée sur l’humain le porteur lui-même devenant la base d’une série de bijoux.
Dans un premier temps, un bijou naît directement de la rencontre et d’entretiens menés avec une jeune femme: Sasha. La matière, la dynamique et la forme de l’objet sont liées à son histoire, sa personnalité et bien évidemment à son rapport au corps.
Ce bijou personnalisé sert ensuite de source d’inspiration à une collection dédiée à un public plus large. Ici, c’est la réinterprétation des griffes de sertissage imaginé pour Sasha qui sera à la base d’un jeu de modules faisant circuler chaînes et fils.

La démarche a été répétée avec une autre porteuse: Catherine.
Ici, la pierre d’alun apporte une fragilité aux bijoux, mais aussi un rapport au temps particulier
Cette série de broches a pour particularité d’être ornée de pierres d’alun. Étant éphémères et sensibles aux chocs, les cristaux se modifient en fonction du temps et de la manière dont ils sont portés. Une fois les cristaux disparus le porteur doit partager un temps avec l’objet et lancer un nouveau cycle de cristallisation. Contrairement à la joaillerie, ces pierres arborent des formes encore brutes, mettant ainsi en avant un processus de création formel et naturel long.
Des pierres dont la valeur ne vient pas de leur rareté, mais du rappel du temps passé et partagé qu’il symbolise.

Faire avec l’osier 

Sortir de l’univers du panier c’est expérimenter de nouvelles façons de travailler l’osier pour contribuer à élargir les champs d’applications dans une inscription contemporaine. Il s’agit de valoriser les propriétés de l’osier telles que la souplesse, la rigidité, la légèreté, l’imputrescibilité…
Par une recherche d’efficacité et de simplicité lors de la mise en œuvre, le projet s’articule autour de trois manières de travailler l’osier. Ces systèmes constructifs aboutissant à diverses possibilités de configurations en vue de s’adapter à des espaces intérieurs ou extérieurs suivant leurs spécificités et leurs contextes.
Le banc « Fagot », l’étagère murale « Onde » et le claustra « Filtre » tressent des liens entre l’Homme et son environnement. Repenser les relations entre l’usager, l’artisan et le designer donne alors forme à de nouveaux schémas de production, des manières de faire ancrées au cœur du territoire.

Matière Particulière

Basé sur une réflexion à propos de l’air, en tant qu’élément imperceptible et pourtant fondamental pour survivre, il aborde les enjeux actuels de la pollution atmosphérique aux micro-particules. A travers l’étude de cette forme de pollution, et par l’intermédiaire du dessin, j’ai imaginé un futur où l’air que nous respirons aujourd’hui sans conscience, serait un poison, sec et âcre, un monde poussiéreux et toxique.
De cette dystopie sont nées trois fontaines. La fontaine constitue généralement un lieu de pause, de contemplation, ou de ressourcement. Comment se ressourçerait -on dans un environnement aussi hostile qu’un monde où l’air est à peine respirable ?
La première est une fontaine de sable qui, par un geste absurde, génère une sorte de refuge. La seconde est une fontaine d’air qui permet de profiter de l’air moins pollué en hauteur. La dernière est une fontaine de micro-algues, qui capturent le CO2 et génèrent de l’oxygène.
La fiction met en scène de façon métaphorique la manière dont l’évolution modifie notre environnement. Mais elle traduit également des émotions et des sensations nouvelles qui accompagnent toute modification environnementale. Dans notre société de l’immédiateté, il est difficile de réfléchir sur les conséquences à long terme de nos actes. La fiction permet de rompre avec la défiance et l’incrédulité à l’égard du changement.

Flux Domestiques

Flux Domestiques est une recherche sur la conception d’objets énergétiques à partir des circuits hydrauliques et électriques de nos intérieurs. Proposant d’évaluer à chaque instant de sa création, l’effort technique et technologique que ces réseaux permettent, le projet réinterprète deux objets en partant de leur éclatement. Courant d’eau, une micro turbine à connecter au réseau hydraulique et Courant d’air, un système de rafraîchissement sans apport électrique.

Davantage que des produits finis, ces objets sont des abstractions de l’énergie et de sa production. A une échelle réduite et avec des matériaux bon marché, il est possible de dégager des usages plus raisonnables, pour un biotope énergétique vertueux.

Au contraire des raisonnements actuels en la matière, je propose des solutions qui se combinent et ne cherchent pas une sur-performance. Courant d’eau et Courant d’air, évoluent dans un réseau, un réseau qui doit rester flexible pour laisser des interactions entre les parties, parties qui pourraient s’augmenter de diverses façons, de l’urbain au domestique.

Ilôt domestique

Il s’inscrit dans une approche par la souplesse et la mise en doute de l’existant.
Il s’agissait de concevoir un ensemble d’objets pensé comme une scène prête à accueillir différents scénarios, mettant en scène plusieurs acteurs.
Cet ensemble comprend un élément « sol » et un élément « plafond » qui définit une zone de confort propice aux temps de partage et d’échange.
Le luminaire suspendu produit de l’espace par la surface, par la lumière qu’il diffuse. Il engage une action collective dans la manipulation des éléments qui permettent de gérer sa hauteur, son inclinaison. La forme, le choix des matériaux et le caractère mobile de l’objet empruntent au répertoire du cerf-volant, de la tente, ainsi que du décor de théâtre avec les poids, les cordes et les poulies. L’assise circulaire invite les usagers à s’asseoir près du sol, dans une posture relâchée, détendue.

« La maison comme refuge contre l’hostilité du monde extérieur, nid du groupe, de la famille ou du couple, palais (façon de dire) de la femme, représentation du ventre maternel, la maison est un merveilleux mirage de chaque être vivant. »
Alessandro Mendini

« Les espaces habitables affectés aux moments de sociabilité et d’échanges, de restauration et de repos, parlent d’eux-mêmes de la fonction compensatrice que le confort endosse vis-à-vis du monde extérieur. »
Tomas Maldonado

Domestic city

Ce projet est la continuité du mémoire que j’ai entrepris en janvier 2018. Ce mémoire est une étude de la pratique du skate et comment celle-ci entre en résonance avec les problématiques socioculturelles de la vie contemporaine. Il étudie les possibilités pour le designer de tenter d’adopter une approche de sa pratique, plus en phase avec les contraintes contemporaines. En exemple, le mouvement, l’immédiateté et l’expérience vivante. Tous ces critères sont repris et analysés afin de confectionner un nouveau type de mobilier liant l’univers urbain et domestique, à l’espace public.

Action directe en territoire cultivé

En lien étroit avec les habitants-jardiniers, le projet visait à concevoir un système d’irrigation autonome, basé sur la récolte des eaux pluviales. Dans un souci d’économie de moyen, l’adaptation à l’existant est essentielle, ainsi des gouttières souples* se greffent aux serres-tunnels afin de collecter l’eau de pluie et de la stocker en hauteur. Une fois stockée, l’eau peut circuler dans des rigoles en bois brûlé, une technique japonaise (Yakisugi) visant à protéger le bois et le rendre davantage résistant. A partir de plans, jardiniers et visiteurs ont pu réaliser une partie de ce réseau et participer à la construction d’un élément central dans la gestion collective du jardin. Le système d’irrigation est en place au jardin de l’EDJ au 54 rue Pasteur à St-Brice-Courcelles.

* Les prototypes des gouttières souples ont été réalisés par l’entreprise rémoise Caravanex.

Corbeille

J’ai pu identifier des liens entre la voiture, le garage, la mise en œuvre de l’acier et les assemblages.
Inspirée par les ciseaux, les anciens tournevis avec leurs boucles et le coupe papier d’Enzo Mari, j’ai commencé à faire des maquettes en papier à partir d’une boucle. Les boucles créent une trame, un motif. Lorsque j’ai commencé à monter en volume la première maquette en acier, à former des boucles, la ressemblance avec les techniques du tressage d’un panier a révélé le lien entre la technique industrielle et la main. Pour guider ma main, et générer plus de régularité dans les boucles, il me fallait un outil. J’ai donc commencé à imaginer des systèmes d’accroches, de clips et toutes sortes d’assemblages nécessitant seulement de petites manipulations, et j’en ai dégagé 3 systèmes. Le premier est un système de fentes où les rubans viendraient se glisser en biais, le second avec une fente et un pli pour verrouiller, et enfin le troisième est un système d’agrafes clips.
Sentir la matière se former sous ses doigts, c’est apprendre d’elle, comprendre ce que l’on peut en faire et c’est ouvrir encore plus son champ de possibilités.

« J’attendais les musiciens qui allaient jouer ensemble pour la première fois.
Après avoir soigneusement sélectionné et récupéré différents matériaux à Emmaüs, ou dans différents bacs à chutes de l’école, je les disposais sur les tables dans cet espace.
Quelques microphones ici et là, plusieurs rouleaux de scotchs, des serres-joints, des élastiques, de la ficelle.De quoi bricoler un peu. »

Mes premières recherches se sont portées sur la manière d’introduire une forme d’étrangeté dans les objets du quotidien, devenant un moyen de mettre l’accent sur l’expression du hors normes, permettant de lutter contre une certaine banalisation du design.

C’est en passant par la réalisation de nombreuses maquettes provenant d’une série de dessins que les premières expérimentations ont eu lieu. Ces dessins représentent l’évolution d’un virus, mous et envahissant se propageant sur les étagères Billy d’Ikea. Ses étagères sont utilisées comme une forme de symbole face à la standardisation du design. Le travail du textile est devenu une manière de traduire le virus, permettant de confronter la matière molle, souple et vivante face à la rigidité, et la raideur de l’étagère Billy.

Au travers de ce projet je propose de prendre d’autres directions, troublant le rapport habituel de l’objet face à la fonction. Il s’agit d’expérimenter un design débordant d’un cadre défini afin d’introduire des. horizons plus sinueux.

C’est en passant par l’image et ces textures que ces formes et matières existent avant tout. Les complexes possibilités d’évocation qu’offrent ces choses empêchent d’en fixer une représentation, c’est pourquoi il est moins question de proposer ces figures comme émettrices que comme réceptrices de significations. Ici les usages sont à imaginer et disponibles à l’interprétation car la définition des choses reste toujours nébuleuse et dépendante de l’appréciation de celui ou celle qui s’y confrontent.

Maquette regroupant des objets conçus autour du thème du mystère. L’aspect surprenant de ces objets se retrouve dans leur caractère animé ou mobile. L’ensemble de ces objets crée un espace dédié à l’activité de la lecture. De gauche à droite ; les étagères coulissantes, l’assise Rideau-Pouf, la bibliothèque Biblibrique et la lampe Strates.

Transformer un espace, le rendre plus flexible en employant la lumière comme matériau.
Le système se compose d’une tige souple pouvant se mettre librement en forme dans l’espace, sur laquelle évoluent différentes sources lumineuses. Elles peuvent se déplacer et se combiner pour adapter l’éclairage à nos différentes occupations.
(Système électrique sans danger – DC 12V) Système d’éclairage flexible

Inspirée par la conceptions des carreaux ciment, du terrazo, ou encore du coulage d’une chappe pour un plancher chauffant, j’ai développé un outil qui a pour vocation de valoriser la liberté du geste de l’artisan, afin qu’il puisse s’exprimer, développer le dessin du sol en sortant des formes standards du carreaux.
«Pièces Montées» a pour vocation de créer à partir d’un même système d’outillages un dallage unique à chaque fabrication dont la taille est adaptable, sur mesure, il commence et se termine où on le désire. Les éléments présentés aujourd’hui, sont des échantillons de matières de mes recherches.
On peut y observer plusieurs étapes de réflexions où le système est apparent ou non, ainsi que plusieurs typologies de formes qui ont été développées avec des systèmes d’outillages différents.

Sur la paille est une collection d’objets mettant en avant un savoir-faire français, la marqueterie de paille, artisanat tombé dans l’oubli, vivant dans l’ombre de la marqueterie de bois. Cherchant à communiquer sur cette technique, la collection met en avant à travers deux objets (consoles & lampes), une double interprétation de la marqueterie de paille, à la fois dans son dessin et dans la composition de sa matière, la paille, or du pauvre.
En quête d’une forme de contemporanéité, «Sur la paille» questionne la notion de proximité autour de l’objet et nous interroge à la fois sur un savoir-faire mais aussi sur la place de l’objet dans notre environnement, créant le lien et cherchant à faire perdurer cet artisanat d’une grande richesse.

Réinterprétation des unités temporelles. Ce qui révèle d’un coup d’œil furtif sur une horloge devient une exploration du temps et de la façon dont nous l’appréhendons.

Le tokonoma est une alcôve présente dans l’habitation traditionnelle japonaise à l’intérieur duquel le japonais vient y déposer une oeuvre d’art, une composition florale et, généralement, une calligraphie. Il est un espace contemplatif, un espace consacré à l’éveil du regard. Dans la continuité de cette idée qu’est celle du tokonoma, ces vases ont été pensés et construits comme des espaces, des territoires du sensible.Ces objets questionnent la place de l’objet vase dans l’espace domestique occidental en tant qu’autel présent afin d’éveiller une certaine sensibilité. Ces objets ont été pensés comme des jeux de construction, dont les différents éléments sont indépendants les uns des autres et permettent la construction et la déconstruction, l’emboitement et la superposition des différentes formes offrant alors une liberté d’utilisation du vase.

Ces pièces de mobilier témoignent d’un acte de design performatif. Chacune d’elle est fabriquée à partir d’un fond et est composée spontanément sur ce format. Elles sont pensées et exécutées dans le même temps, comme une peinture sur un châssis. Les outils standards d’assemblage (visseuse, vis, mètre, équerre, serre-joints) et les chutes de bois comme matière première, constituent la palette de travail nécessaire à la réalisation du tableau. Les gestes libres et intuitifs que l’artiste peintre réaliserait sur sa toile en maniant ses outils et sa matière, intègrent alors le processus de design. Démarche dans laquelle les pinceaux, les encres, et l’acrylique sont remplacés par une visseuse et des découpes de bois. L’ensemble de ces collages en volume, forme un carnet de croquis sur lequel les pièces sont comme des dessins jamais terminés, que l’on pourra repriser et peaufiner.

Pendant un moment vous partagerez un même support matériel, vous vous approprierez simultanément un dessin. Temporairement, vous serez une communauté parce que ces bancs seront vos biens collectifs, vos territoires.

En exprimant l’expérience et le sentiment de vivre dans un double-temps, l’objet crée une connexion affective entre la personne qui vit à l’étranger et les proches de son pays d’origine. Chaque typologie d’objet représente une intimité subtile par rapport à une relation sociale.

Point d’impact entre le monde de l’industrie et celui de l’artisanat, cette collection de tapis et tapisseries se présente comme un obstacle prismatique, déviant de sa trajectoire prévisible l’usage de la moquette. Balayant d’un léger revers des années de connaissances techniques, une profonde simplicité règne ici. Recherchant le chemin le plus court entre le dessin et l’objet, les matières s’embrassent, entre attraction et rejet, le collage est maître. Une force magnétique, issue de frottements tectoniques, semble émaner de ces objets. Un nouveau territoire se dessine.

Ce projet présente l’évolution d’une collaboration entre un designer et une artisane voulant mettre en valeur le savoir-faire manuel,
inimitable à la machine. L’objectif est de réintégrer et mettre en
valeur le savoir-faire artisanal dans notre époque où tout est
industrialisé et produit à l’étranger.

Ce projet a été développé autour de la chaise mullca, ancrée dans notre culture visuelle française, pour mettre en valeur le savoir-faire de l’osier. La Chaise produite industriellement sert de base au travail de l’osier et du rotin pour créer une nouvelle assise.

Enrichies de nouvelles connaissances en vannerie, les deux dernières chaises ont été dessinées spécialement pour s’adapter au processus de création.

(Matériaux: Tube d’acier, peuplier, cuir, osier et moelle de rotin)

A travers la conception d’une petite architecture pré-fabriquée, à caractère industrialisable, le projet s’organise en deux axes de recherche :
• une couverture de tuiles biosourcées, à base de chanvre et lin, produits à faible impact environnemental, qui apportent de nouvelles qualités plastiques et mécaniques, permettant notamment d’alléger la toiture ;
• une charpente pré-fabriquée, réalisée en collaboration avec les Compagnons du Devoir de Muizon. Cette charpente met en valeur l’ensemble des techniques du charpentier, tout en définissant de nouveaux points de rencontre entre nouvelles technologies et pratiques traditionnelles.
Cette mise au point a fédéré de nombreux partenaires :
Pôle IAR – Industries et Agro-Ressources, Laon ; le BatLab du CoDEM, Amiens ; les Compagnons du Devoir, Région EST, Muizon ; Les Compagnons du Devoir, Institut supérieur de la Couverture, Paris ; Eco Technilin, Yvetot ; FRD, Fibres Recherche Développement, Troyes.

Réinterprétation de mobilier de collectivité

Ce domaine, dont le jardin de 3 ha vient d’être labellisé « Jardin remarquable », est un laboratoire de création et de vie où il invite de nombreux artistes à partager une aventure où création et nature s’unissent en un art de vivre festif et joyeux.
Les étudiants de Design & Végétal y ont été reçu pour un atelier à ciel ouvert d’une semaine dédié à la conception d’artefacts en symbiose avec le vivant : des objets, mobiliers, micro-architectures à base de saule et d’osier pensés comme greffes, excroissances, colonisations…

Dans une célèbre scène de la Dolce vita ( Federico Fellini, 1960 ), le spectateur assiste émerveillé aux belles retrouvailles de Marcello et de l Anita Ekberg. C’est pourtant le troisième protagoniste de la scène qui a retenu toute mon attention, la fontaine de Trévi. La plupart des fontaines que l’on côtoie ont souvent cet aspect majestueux, mais j’ai voulu que mes objets soient conçus autour de ce que j’aime qualifier de fontaines domestiques. Chaque jour, nous les construisons tous, inconsciemment, en entassant la vaisselle dans l’évier et en jouant d’équilibre avec l’eau du robinet. L’eau se met-elle a mimer le verre en glissant le long de sa surface ou bien est-ce le verre qui mime l’eau ?
Les matériaux véhiculant l’eau se confondent peu a peu avec elle par bien des aspects, ils la parodie et la fige grossièrement par le feu en formant de grosses gouttes de verre. Contrairement aux fontaines « triomphales» sur lesquelles l’eau n’est qu’une énième fioritures greffée sur la bâtisse, elle se retrouve ici au centre du projet. Elle est au premier plan de l’objet, le construisant et le polissant de toute part.

Si le cinéma et la mise en scene jouent un role prépondérant dans ma perception des objets se sont les films burlesques qui m’attirent. Dans le film the Lobster ( 2015 ), le réalisateur Yorgos Lanthimos imagine un monde loufoque ou chaque humain aurait sont équivalent animal. Mes fontaines ont quelque chose des personnages de Lanthimos, elles sont pensées comme des personnages. Ce n’est pas simplement les figurants qui ressemblent aux fontaines mais aussi les fontaines qui s’apparentent aux figurants dans un jeu pervers de réflexion, de contemplation et de mimétisme.

« Bulle » est un mobile, comme une sculpture en mouvement. Il s’offre à la contemplation par le mouvement. Du fait de ses reflets, sa cinématique et son bruit de fonctionnement, le mobile peut évoquer à chacun, un souvenir et suggérer une interprétation.

« Volte-Face » est un miroir mis en mouvement par un système de boîte à musique. Comme un clin d’œil aux automates d’antan, il reste à plat et lorsque l’on tire sur la cordelette celui-ci se met en mouvement, donnant à voir le reste de la pièce, notre reflet s’effaçant. Il s’anime en silence et lentement, offrant une pause poétique à l’utilisateur.

« 4 » permet de définir facilement et esthétiquement un espace personnel. Le système s’installe grâce à la balance, il est stable mais également susceptible d’être agité. Une fois mis en place, d’une manière très poétique, les cloisons vont légèrement être secouées par les courants d’air créés par le passage des gens par exemple. De cela découle une relation intime entre objet et Homme.

« 8 » Système d’étagères composé de seulement trois éléments qui permettent d’obtenir une structure de rangement modulable, rétractable, évolutive mais aussi facile à monter et à déplacer. Un dispositif de crémaillère sous les plateaux garantit la stabilité du meuble et sert également à définir l’écart entre les différents niveaux de l’étagère.

« Nef acoustique »: Une micro architecture pour une expérience sonore autour de la table d’hôtes.
« Mobile insonorisé »: Mobile autonome muni d’un capteur de décibels qui vient se déployer au-delà d’un certain volume sonore afin de calfeutrer la pièce dans laquelle il se trouve, pour une meilleure acoustique du lieu.

« Duo » (lampe) Luminaire composé d’un réflecteur et d’un tissu tramé. Grâce à ces deux éléments, l’objet se déploye et dévoile son essence. Elle n’existerait pas sans l’interdépendance de ces deux derniers.
« Trio » (parasol) Parasol composé de trois éléments : deux tubes de diamétres différents axés sur un mât carré permettent à l’objet de se développer en tirant sur une corde.

Penser le design en termes de relation entre les éléments, les forces et les processus pour atteindre la qualité objective. Entre fil de fer et tôle perforée, cintrage, moirage et pliage, les objets évoluent dans un univers coloré et dessiné. Le métal est au cœur du projet comme un hommage à László Moholy-Nagy, responsable de cet atelier au Bauhaus. « Exercer le matériau c’est aussi s’exercer soit lorsqu’on l’éprouve » László Moholy-Nagy

Dans le cadre de l’appel à projet FUTUR IMMÉDIAT (programme qui encourage la réflexion stratégique autour des grandes tendances de marché et qui doit permettre le développement de 5 projets industriels de textiles innovants), lancé par R3iLab (Réseau Innovation Immatérielle pour l’Industrie), Clara Marcenac, Alice Baraud, Adeline Faveau, et Sarah Basset, étudiantes en 3e année à l’ESAD de Reims ont développé en collaboration avec notre partenaire maroquinier DOGNIN, trois projets innovants avec pour matière première, le cuir.

Sous-main dissimulateur de techno, porte manteau nomade et cintres 3D, luminaire… Les prototypes de ces projets sont présentés sur le Salon Maison et Objet en septembre 2015 à Paris.

Cette consultation vise à interroger les pratiques pédagogiques (pratiques numériques, approches
collaboratives…) et les usages à travers la conception du mobilier (assise et plans de travail).
L’école, dans son dessein d’émancipation de l’individu et de formation du citoyen par l’éducation, est
particulièrement concernée par le fait que le numérique modifie fondamentalement toutes les
activités humaines et notamment celles liées à la diffusion et au partage des connaissances. Elle
s’accorde désormais pour intégrer les outils numériques dans le projet éducatif.
Le numérique, par sa nature, influence profondément la structure même de l’apprentissage du savoir
au point de remettre en cause l’organisation matérielle et spatiale de la salle de classe et de l’école en
général.

Dans un premier temps ils ont mené des enquêtes sur la variété des configurations spatiales de festivals régionaux, nationaux ou internationaux.
Puis l’étude approfondit du site leur a permis de déterminer une programmation qui pose un cadre conceptuel ajusté au potentiel paysager du site. Enfin ils ont abouti une esquisse de projet proposant un concept d’ambiance et de fonctionnement. Un certain nombre de projets interroge les comportements des publics et leur rapport aux modes d’écoute musicale.

L’espace de co-working est un lieu polyvalent, mobile et communicant. Cet objet, en s’inspirant de ces spécificités, a pour but de favoriser le «faire ensemble» dans ces espaces émergents. Léger, facile à l’usage, peu encombrant, chaque module accompagne une fonction du lieu. Déposer ses affaires (rangement, porte manteau), travailler en groupe (écran de projection, élément de prise de note, porte Ipad), partager des biens (étagères), tous les éléments se déplacent sur des rails afin de permettre une adaptation constante aux évènements qu’accueille le lieu. Pour une créativité à la fois horizontale et verticale, pour un partage en trois dimensions..!

Ce projet est axé autour de la domestication d’un phénomène naturel : le nuage. C’est au travers de ses codes et langages, qui agissent sur notre affect et nos perceptions, que j’ai construit l’identité de ces objets. Ces signes que l’ont peut qualifier de banals, régissent notre quotidien dans l’univers naturel. Tandis que dans l’univers artificiel, l’ensemble est réglé et programmé. On ne retrouve pas la variabilité, qui apporte une dynamique constante et omniprésente dans l’univers naturel. Quelle est la part vivante des objets? Je tente de donner à l’homme une part de contrôle sur un phénomène, par des paramètres de variabilité, par des jeux de temporalité, de mouvement et de lumière.

On évoque souvent le fait que le sport est l’une des plus belles écoles de la vie. Devenu l’exemplification de la performance, dans une pratique individuelle ou par équipe, le sport est le support de valeurs essentiellement conviviales et socialisantes.
« Entre-deux » joue sur la qualité éducative du sport pour questionner la notion de collectif dans le mobilier. En transposant certaines qualités esthétiques, règles spatiales et comportementales dans notre quotidien, de nouvelles typologies d’objets sont créées. L’espace domestique devient un espace d’évolution où le parallèle, entre objets sportifs et objets de design, développe la question du mouvement et de l’adaptabilité des objets face aux variations du collectif. L’articulation entre terrain domestique et terrain sportif, redéfinit la notion de confort. Les objets abordent un confort sportif, un confort déroutant, qui propose de sortir de notre confort moderne pour revenir à une forme de simplicité à la fois dans la typologie des objets et dans la posture du corps.
Ces assises d’appoint sont destinées à un usage temporaire. Ces objets jouent sur la notion de mouvement, pour créer un dialogue et un équilibre entre la délimitation de l’espace, son étendue et ses circulations. Ces objets hybrides sont « entre deux » : assise/ paravent, assise / tapis, objet / espace. Dans un environnement collectif, ils évoluent en terme de typologie et de proportions, pour créer des espaces de repos qui s’adaptent aux variations du collectif.

La lumière naturelle qui nous entoure est perpétuellement en mouvement, c’est une source qui se déplace lentement dans l’espace, de l’horizon au zénith, et qui ne cesse de varier d’intensité, de flux lumineux en fonction de différents éléments extérieurs. Ce sont parfois les nuages, parfois le paysage montagneux ou urbain. A travers trois objets, j’ai essayé de retranscrire la perception de ces effets naturels.

CERCLE
Ce cercle se manipule avec un système simple de poulie, il se soulève doucement lorsque l’on tire sur la corde passant d’un éclairage très rasant pour envahir petit à petit l’espace permettant une contemplation d’une lumière qui se couche ou qui se lève. Le contrepoids derrière le cercle permet de bloquer la corde et de maintenir l’objet dans la position souhaitée. Le luminaire s’éteint lorsque le cercle est à terre et de ce fait, on déplace progressivement la lumière de haut en bas pour qu’elle vienne s’évanouir doucement sur le sol.

AMAS
Cet objet est le résultat d’une réflexion sur la fragmentation de la lumière à travers des éléments multipliés, des cailloux, facettés pouvant imiter le charbon ou la roche volcanique. Ce «tas» fait penser à une combustion. Cet objet apparaîtrait alors comme l’origine de la lumière artificielle. La manipulation est intuitive et a quelque chose de presque primitif. Cette source ne s’éteint jamais et son rôle est simplement une présence.

CONSTRUCTION
Cet objet entremêle l’idée de mouvement de la source et l’interaction d’éléments en une construction étrange. Il est constitué de trois éléments, qui possèdent chacun une source lumineuse. L’utilisateur doit venir taper l’un des trois parallélépipèdes pour qu’il s’allume. L’objet apparaît comme une construction plus urbaine, qui ne relève plus du naturel ni du cosmique. Cet objet réunit une lumière directe, une à contre-jour et une dirigée vers le sol.

La Bricologie Augmentée est un projet de recherche axé sur l’expérimentation du potentiel des outils numériques, comme la découpeuse laser, la fraiseuse numérique et l’impression 3D. J’ai retiré de chaque outil une idée de bricologie augmentée, ce qui m’a permis de proposer des possibilités. Il s’agit, plus précisément, de semi-produits — des surfaces rainurées, percées ou encore des systèmes d’assemblage — qui sollicitent la curiosité de l’utilisateur et lui permettent de concevoir par lui-même les objets, dont il a besoin (sur-mesure), tout en étant accompagné. Cette possibilité de DIY est envisageable dans un FabLab, comme dans un magasin de bricolage équipé d’outils numériques ou encore chez un prestataire de services.

Le vêtement, outre sa fonction de protection, permet de se transformer, de donner à voir le soi que l’on se construit, et peut également nous influencer dans nos postures, nos états d’esprits, etc. Dans ce projet, je me suis intéressée aux rapports entre un corps (la chaise) et son revêtement (la housse et le coussin). Comment un simple revêtement peut-il, comme le vêtement, transformer la perception voire la pratique de son support? À partir de l’étude de la posture du corps sur la chaise, j’ai choisi trois types de postures; se recroqueviller, s’affaler/se vautrer, se mettre en tailleur/méditer; et développé autant de revêtements qui habillent la chaise et permettent de générer des postures et des usages différents. L’utilisation de sangles permet d’adapter ces housses et coussins au plus grand nombre de chaises, chacune s’exprimant de manière différente selon la chaise qui les porte. Il s’agit également de jouer sur l’affectif, les chaises « habillées » deviennent des lieux de réconfort (l’alcôve qui isole, les coussins que l’on vient serrer près de soi…) et modifient le rapport que l’on a à l’objet, lui redonnant alors comme une seconde vie.

En réaction aux crises économiques, écologiques et sociales auxquelles notre société doit faire face, naissent des initiatives humaines innovantes. C’est ainsi que se développent actuellement de nombreux projets fondés sur la mise en commun de lieux, d’objets, de connaissances dans un désir d’échange et de partage. J’ai souhaité inscrire mon projet de diplôme dans cette dynamique citoyenne en axant ma recherche sur le jeu dans l’espace public. Comment une activité ludique peut-elle permettre aux individus de se réapproprier collectivement certains lieux ? De quelle manière le jeu peut-il créer du lien social et sensibiliser les individus au partage ? J’ai donc imaginé un dispositif d’emprunt de jeux destiné à l’espace public. Le Kiosque à jeux propose différents jeux (de société, de construction, de plein air, petits accessoires de sport…) que l’on peut emprunter grâce à une carte de prêt ou une carte bancaire. Susceptible d’être implanté dans différents lieux, (un parc, une place, une plage, etc.), il permet aux individus de réinvestir ces espaces de manière ludique. Offrant à tous l’accès à de nombreux jeux, le Kiosque favorise les échanges et le partage dans l’espace public. Les trois petites éoliennes verticales qui surmontent le Kiosque lui garantissent son indépendance énergétique tout en le signalant dans l’espace public. L’emprunt et le retour des jeux sont gérés grâce à la présence de puces RFID (radio frequency identification).

Le végétal, de nature autotrophe, se sert par principe de son environnement proche pour se mouvoir dans l’espace. Le végétal prend souvent appui sur des éléments manufacturés, comme béquille, comme tremplin, comme tuteur. Le végétal ne fait pas de différence entre une paroi rocheuse et un mur en brique, un arbre et un poteau électrique, un sol bétonné ou un lopin de terre ; il s’adapte. C’est une rencontre voire une confrontation qui se produit alors. Extension croissante est un travail sur des structures simples à l’image de la construction du végétal, qui exclut toute forme de superflu. L’objet devient support de croissance. Il met en évidence la plasticité et les stratégies du végétal pour s’étendre dans l’espace. Les végétaux sélectionnés sont des végétaux qui peuvent se mettre en place de manière autonome par un système de racines suçoires, comme le lierre, hedera, ou ficus pulmila ; ce sont elles qui leur permettent de s’établir sur de nombreuses surfaces verticales. La structure s’efface presque dans l’espace, se présence se fait discrète au profit de ce qui l’accueille.

Inspiré par une large iconographie sur l’art primitif Objets premiers questionne la matérialité de l’objet via une recherche sur la forme-support, la surface, le motif, la texture et les matériaux. Une recherche qui porte de l’attention, tend à redonner de la valeur, de la qualité aux objets produits industriellement et qui a pour volonté d’enrichir notre rapport à ceux-ci. Par un jeu de contrastes, le primitivisme est un moyen d’interroger les objets contemporains, leurs usages, leurs esthétiques, leurs productions et notre rapport à ceux-ci. Le miroir et la table d’appoint développés sont des objets qui changent de statut quand on les manipule. Ils passent d’une présence fonctionnelle à une présence esthétique. Ce ne sont pas des objets figés mais des objets qui évoluent, et que l’on s’approprie par la multiplicité de leurs fonctions. Par de simples opérations, comme la découpe laser, le fraisage, la gravure, les matériaux sont mis en valeur. Sublimés, ils donnent du sens aux moyens contemporains de production.

Dans un contexte où l’usager est de plus en plus soumis à son environnement, de nombreuses conceptions aboutissent à des formes figées, sans options alternatives. OpuS questionne la probabilité de faire l’expérience de l’autonomie en proposant une unité de production d’énergie domestique utilisant la force du vent pour produire de l’électricité. En investissant le thème de l’énergie, le projet tente de répondre à la question : « Peut-on produire de l’énergie à l’échelle domestique ? » C’est avec l’ambition de pousser l’usager à ne plus être seulement spectateur de ce qu’il consomme, mais acteur de sa production, que s’est construit le projet. Après une phase de recherche justifiant des choix techniques, le projet réfléchit à différents scénarios d’usages, aboutissant à la conception d’un objet modulaire. La dimension « Open Source » d’OpuS (le code source est à la disposition de chacun) tend à démocratiser la compréhension de l’objet technique, permettant au grand public d’accéder plus facilement à sa conception.

Je me suis intéressé précisément aux objets emblématiques de la région Champagne-Ardenne. Certains objets, au même titre que des produits du terroir, peuvent en effet refléter l’image et l’identité d’un territoire. Afin de m’immerger dans le contexte actuel régional, le projet s’est construit grâce à de nombreuses visites d’industries et d’artisans encore actifs. Par la suite, nous avons naturellement collaboré ensemble pour concevoir des objets contemporains et ainsi valoriser le patrimoine de chaque entreprise et par conséquent du territoire. Le concept premier qui a alimenté ma recherche, c’est l’idée de biographie. En effet c’est elle qui fait l’unicité de chaque lieu et qui distingue tout un chacun de son voisin. Aussi, la richesse du concept de biographie d’un territoire ou d’une entreprise, c’est que l’histoire continue de s’écrire. De mon point de vue, c’est le rôle du designer de questionner l’avenir de ces objets du terroir et leur évolution dans l’univers de la création contemporaine, pour qu’ils restent modernes.

Coquille interne dorsale de la seiche, les sépions s’échouent par milliers sur les plages normandes et bretonnes au printemps. Ces résidus marins sont utilisés depuis l’âge du bronze pour leurs qualités thermiques et leurs structures aérées (exemples: ponçage, moule pour couler du métal, sculpture). En partant de ce constat, j’ai inventé une matière composite à base de sépion et de grès, qui est résistante à la chaleur (+ de 1000°), légère et imperméable. A partir de cette matière, j’ai conçu des objets nomades pour la plage: une assise qui se plante dans le sable et un contenant pour maintenir au chaud de la nourriture.

En accord avec ces principes de maîtrise, connaissance et appréciation de l’alimentation, quelles solutions proposer ? Ce projet tente de valoriser la consommation de produits frais, par des moyens simples et responsables, à travers quatre propositions pour la cuisson et la conservation des fruits et légumes.

L’îlot sur pied reproduit le milieu d’un cellier. Il permet de conserver les fruits et légumes résistants dans un environnement frais et sombre grâce au sable humide rafraîchissant. Il est une surface de travail et de transformation dans la cuisine. Le séchoir obscur empêche les condiments de germer. L’hygrométrie y est régulée par des billes de faïence. Son environnement permet aussi de faire sécher des herbes aromatiques.

La corbeille, structure légère et sculpturale, permet de surveiller et sublimer les denrées. Elle reprend, dans un souci d’économie de moyens et d’adaptabilité, les mêmes éléments que le séchoir. Les billes de faïences immergées dans l’eau permettent d’hydrater les fruits et légumes fruits pour éviter qu’ils ne flétrissent. Par sa surface isotherme la casserole utilise la chaleur emmagasinée en début de cuisson pour cuire les aliments hors du feu, sans source d’énergie et de revenir aux plats mijotés délaissés à cause de leur longue cuisson.

Pendant un an, je suis parti en quête de cet objet ultime et jusqu’au challenge : Comment faire un tapis volant ? Ma volonté a été de donner à vivre l’expérience tapis volant. Les dispositifs aménagent des moments propices à la contemplation, des territoires ouverts à la magie, qui célèbrent joyeusement la pensée de la lenteur, contre un quotidien souvent trop dense et hyperactif. Ces dispositifs proposent un nouveau regard sur une forme de méditation dans nos vies dont l’idée est de s’envoler pour mieux se poser.

Les recherches ont été focalisées sur les pratiques de la conception numérique dans le design. Ils ont conçu des mobiliers évolutifs et inscrits pour la plupart dans une démarche écologique de contrôle des chutes de matière, grâce aux outils de découpe numériques. L’esthétique est issue du process et participe à la création d’un nouveau langage.

Les deux propositions lauréates présentées ci-dessous, seront réalisées au cours de l’année 2015.
En partenariat avec le Centre Culturel Saint-Exupéry.

Jaina Ennequin, Théophile Blandet, Martin Barraud, « Numérhic »
Les tables en contreplaqué 22mm répondent à différents scénarios d’utilisations pour deux, quatre, six ou douze personnes. Cette modularité offre un ensemble de configurations à la fois ludiques et esthétiques, connotant le numérique : fluidité et jeu. La matière est utilisée dans son ensemble, sans chute, grâce aux calculs numériques de la découpe laser.
Les différentes hauteurs dialoguent par la superposition des éléments. Les formes des meubles semblent s’être décrochées. Le plafond, par un jeu de formes, signale les différents agence-ments des tables, et se met en miroir du meuble central. Les formes en papier blanc diffusent la lumière et produisent la nuit une at¬mosphère chaleureuse.

Maxime Augay, Clément Beaugé, « Binarbar »
L’esthétique du bar s’inspire de la question du langage binaire ou langage informatique, et est constitué de cercles et de rectangles symbolisant les 0 et les 1.
Tout le mobilier du bar est pensé en fonction d’un processus de découpe numérique (fraisage numérique) nous permettant d’oublier les clous et les vis pour les remplacer en certains points par des clés imprimées en 3D qui viendraient assembler le tout. Les modules de tables se replient pour former un banc ou se déplient et s’éparpillent pour apporter plus d’intimité aux usagers : les plateaux de tables et les tabourets forment ainsi une suite de 0 et de 1, tel que celle qui a permis leur fabrication via un process informatique.

Cet exercice sollicite la capacité du futur designer à développer une collection par la pratique du dessin, à l’échelle grandeur nature. Une fois la collection dessinée, il fût demandé de réaliser des maquettes d’aspect de chaque ustensile.

La question ici posée est la capacité pour un designer de manipuler dans un projet des éléments directement issus de la nature, du monde physique, qui ne sont pas le fait du travail de l’homme ; et de le mettre en dialogue, au sein de l’objet, avec son opposé : l’artificiel.

Le projet initial proposait une réflexion sur les modes de production, ainsi que sur les spécificités de ce matériau. A partir de ces réflexions et en établissant des parallèles franco-mongols, les étudiants ont proposé des objets liées aux intérieurs traditionnels.

En 2014, le workshop en Mongolie en partenariat avec l’Université du MUST (Oulan Bator) a permis aux étudiants de valider leurs idées premières et de réaliser leurs projets, avec la collaboration active avec les étudiants du MUST. Au delà d’une production commune, ce partenariat a permis aux étudiants des deux cultures de se questionner, de se positionner et d’expérimenter leur idée du design.

« Design feutré II » au Musée du Feutre de Mouzon a réunit les travaux d’atelier et ceux réalisés en Mongolie. Une première exposition de travaux d’étudiants avec le feutre avait eu lieu en 2010 dans ce Musée. Avec le partenariat du Musée du Feutre de Mouzon et de la Région Champagne Ardenne.

Maxime Augay, « Felties ». Rangement pliable et modulable, constitué uniquement de chêne et de feutre, qui sert de charnière.

Théo Leclercq, Jessie Dérogie, « Versus ». Interprétation en objets d’une confrontation matérielle et formelle, aperçue durant le séjour en Mongolie. D’un coté la tradition du feutre et ses motifs, de l’autre, Oulan Bator en construction.

Léonnie Durr, « T12 ». Construit à partir de tourillons uniquement liés par des ficelles, cet objet investit l’espace souvent oublié du plafond. Multifonctionnel est comme une cabane suspendue, le travail sur le lien entre les tourillons est important car il donne sa solidité à l’objet et lui permet en même temps de rester souple.

Clément Haharfi, « Waiting chair ». Cette assise transportable et adaptable permet de s’asseoir lors d’une longue attente dans la ville. Elle se greffe, grâce à des tiges métalliques incrustées entre le feutre et le cuir ,sur différents mobiliers urbains. L’emploi du feutre permet à l’assise d’être à la fois souple et résistante. Le cuir renforce les endroits où le feutre est sous tension. L’utilisation du cuir marron et des coutures oranges est une référence au travail de la maison Hermès, rappelant l’objet de luxe fait main.

Adeline Faveau, Marion Courregelongue, Sarah Basset, « Les indispensables ». Cette collection d’accessoires pour le dressing allie la souplesse du feutre à la rigidité du métal et du cuir. Ces matériaux sont traités artisanalement (tressage, couture…) afin de renvoyer à l’artisanat mongole. Ils se regroupent autour d’une même structure tubulaire métallique. Feutre, cuir, aluminium, tube acier.

Maxime Louet, Camille Tomei, « Cinabres ». La cinabre est une espèce minérale aux couleurs rouge et grise entremêlées, qui parfois s’organisent en strates, lorsque le refroidissement de la lave est lent. Ces tabourets de béton, bois et feutre sont directement inspirés de la roche volcanique. Le feutre, rouge, chaud et mouvant, invoque la lave ; le béton, froid et dur, l’intemporalité́ immobile de la pierre. Le relief est valorisé par la stratification qui rappelle la cartographie géologique.

Laurie Lefevre, Danaé Falcoz Apolline Muet, Léa Mestres, « Objet nomade ». Un tabouret/ballotin et une gourde/carafe s’adaptent à l’extérieur comme à l’intérieur. Certaines caractéristiques du feutre nous ont semblées pertinentes : le confort de ce matériaux de part sa douceur; sa capacité à s’accommoder aux formes; sa résistance aux tensions, alliée à sa rigidité. Afin de renforcer ses atouts nous l’avons combiné à deux autres matériaux : le grillage de poule pris entre deux couches de feutre permet la mémoire de formes et ajoute de la résistance; le vernis, pour imperméabiliser.

Romain Kloeckner, « Exploration feutrée ». A travers différentes expérimentations visant à infiltrer la matière pour lui donner une autre dimension, un trio de lampes à pris forme. Elles accompagnent l’enfant l’exploration de son environnement : lampe frontale, lampe torche et veilleuse. Matériaux : fils électrique, feutre, chêne.

Yohann Simmonot, « Prothèse ». Ces objets sont pensés comme des prothèses, destinées à corriger les défauts d’utilisation de produits industriels du quotidien, grâce à la caractéristique d’isolation thermique du feutre. Le feutre est façonné par une technique qui lui est propre, l’aiguilletage. Du cuir est ainsi inséré à la manière d’un tressage, pour structurer l’objet. Ces objets-prothèses prennent forme et sens lors de leur greffe sur le produit à isoler.

Paul Louda et Victor Grenez, « Toi-son ». Casque audio en laine et cuir, expliquant dans un enregistrement la genèse du projet. Enceinte en laine, mousse et liane, diffusant une pièce sonore issue du travail de la matière.

La boutique de mobilier Home@ge à Reims, a invité du 06/03/14 au 29/03/14 l’ESAD de Reims. Les projets des étudiants, dont certains ont été lauréats de concours nationaux, ont été disséminés dans l’immense show-room de Grégory Guillemain, parmi les productions les plus marquantes en design de ces dernières années. Les futurs designers ont côtoyé les grands maitres du design contemporain.

Cet exercice demandait d’envisager librement le motif au travers de la pratique du dessin comme lieu d’investigation pour la production d’objet. Suite à une série de dessins libres sur ce thème, l’étudiant a dû interpréter un dessin de motif en le transposant, dans une échelle spécifique, et des matériaux traduisant la qualité sensible des techniques du dessin.

Aurélia Martin, « Galalithe » : contenants/ planches à découper. Petite collection d’objets autour du domaine de la cuisine. Recherche sur des matériaux naturels : galalithe (bio-plastique), sciure de bois alimentaire, céramique. Développement d’un motif par la forme, avec cette idée de tranche marquée sur tous les objets de la collection, par la matière créant un motif naturel.

Clémentine Schmidt, « Eki » : lampe et table basse en bois laqué et métal. La silhouette élancée est née d’un travail sur l’équilibre, le motif et le partage. Chaque élément constitutif est interdépendant, puisque, seul, il ne tient pas. L’objet, dès lors que les éléments s’agrègent, forme une unité cohérente, une interaction, un mutualisme, tirant profit de cette relation.

Yoann Moyeuvre, « Oblong »: rond d’acier cintré et plié. Travail sur le motif via la déformation et la multiplication d’une forme oblongue. Le motif dérive vers un volume, qui a abouti à un objet.

Amélie Grouselle, « Console ». Cette console s’est construite autour du plateau, à partir de dessins de plusieurs profils, et le plateau est l’un de ces profils extrudé. Les contreforts qui courent le long du plateau en résine permettent de le solidifier afin que l’on puisse y poser des objets. Ils accueillent aussi les pieds.

Alexandre Vuillerme, Table de jardin en dibon, acier et béton. Cette table tient debout par la combinaison des qualités et défauts de chacun des matériaux qui la composent. Un simple parasol, et le vent, le soleil et une flopée d’autres choses vous appartiennent !

Pauline Lebel, Portes lenticulaires. Le projet est né de recherches sur le motif, le but étant de produire un effet visuel dynamique. Les portes lenticulaires sont des portes coulissantes ayant la particularité d’avoir deux couleurs : blanc du côté droit et rouge bordeaux du côté gauche.

Xian Zhuang, « Bailar ». Cette table haute est composée de quatre courbes et deux cercles, qui viennent dessiner des compositions différentes en fonction de notre position par rapport à celle-ci. D’apparence fragile, elle est néanmoins capable de soutenir une tasse, un livre, ou même un vase.

Camille Viallet, Percussion et hérédité . L’instrument-mère de ce projet est un geste. Ce geste permet de façonner le premier outil, qui, par la suite, façonne le second et ainsi de suite. L’ensemble compose un arbre généalogique, où des formes se croisent, s’additionnent et en enfantent de nouvelles.

Laura Portharieu, « JELLY ». La gélatine alimentaire transformée en une matière déshydratée reprend les capacités physiques et esthétiques du plastique, et pourra disparaître dans un délai de trente à cinquante ans. L’écriture plastique de l’objet est liée à l’histoire et la provenance de la matière dont elle met les caractéristiques en évidence: photosensibilité, résistance, pérennité…

Réfléchir au développement et à la production d’un objet, incluant et mettant en scène la machine, le(s) procédé(s) et le produit final. Expérimentations de techniques de mise en forme visibles.

Tania Clémente et Amélie Costeux, « Objets concrets ». Cette micro usine produit des objets en béton qui jouent avec les codes visuels, entre matière froide du béton et l’aspect presque textile créé par son moule. Trois gabarits nous permettent de produire une série d’objets constituée de deux étagères et d’une patère. Les différents cadres donnent aux objets leurs dimensions et la bâche plastique confère à chaque pièce son caractère unique car aléatoire. L’esthétique des objets découle directement de celle de la « machine » dont-ils proviennent.

Romain Coppin, « KOFFER ». L’acte de produire un objet est transformé en spectacle destiné aux lieux publics, face au jugement des spectateurs. L’objet est un prétexte pour le projet, c’est pourquoi il est exposé sur un socle. La valise devient la rotomouleuse, à l’intérieur de laquelle se trouvent les contenants accueillant la matériel nécessaire à la fabrication des objets. La valise renvoie à la symbolique de la magie et de la mobilité.

Sylvain Debelfort et Léonie Durr, « PVC ( Poor Vases Ceramics) ». Poor Vases Ceramics est une petite usine qui produit des vases à partir de tubes PVC. Ces vases sont fabriqués avec une technique inspirée de celle de la céramique. Les pièces sont tournées, moulées, poncées, peintes par trempage. La production reste artisanale, chaque vase est unique, car il est la combinaison d’une ou plusieurs formes et couleurs.

L’exercice sur les produits semi finis a pour objectif de faire prendre conscience des matériaux qui nous entourent et tout particulièrement des matériaux qui existent déjà sous une forme prédéfinie, comme le métal que l’on peut trouver sous forme de plaque , barre ou tube, le bois sous forme de feuille, planche, baguette, tasseau, … Le produit semi-fini choisi doit être utilisé de façon systématique, sans limite de quantité, pour créer un objet par ce principe de mise en œuvre. La contrainte, consciente et maîtrisée, peut devenir une qualité et produire de la singularité.

Dessiner un vase : penser un contenant pour recevoir des ou une fleur, et fonctionnant aussi bien sans, pouvant être réalisé au sein des ateliers de l’école. Cet exercice à été mené de façon très rapide en deux séances avec l’idée de créer un ensemble de réponses plutôt qu’une série de propositions individuelles. Pour cette raison le travail a été présenté sur une table unique, comme un avis collectif sur cette typologie.

Nous avons choisi d’aborder cette question à travers un objet existant : le vélo et d’imaginer non seulement la question du déplacement mais aussi toute la synergie que cet objet peut produire. Une série d’objets a été développée sur des thèmes très simples comme : transporter, se protéger des intempéries, se signaler de façon sonore etc…

Aurélia Martin et Clémentine Schmidt
Cléopatra
Comment améliorer l’usage du vélo en ville ? Le premier facteur du fléau «vélo au garage» est le mauvais temps. Cléopâtra, projet textile, est un k-way directement intégré au vélo.
Anatol
Le transport en vélo : ce petit porte bagage, rétractable permet d’éviter les « vélos tumeurs ». En toile de parachute, imperméable, il se fixe sur le porte bagage.
Daria
Une pince-pantalon, et une cuissarde de protection : cet accessoire de vélo en toile de parachute, vous protège par tous les temps !

Alexandre Vuillerme
Images en Mouvement
Cette organisation de cyclistes-projectionnistes, un gang de cinéma de rue, multiplie les lieux de projections de courts-métrages au sein de la même ville. Le mécanisme présent sur le pédalier génère toute l’énergie nécessaire au fonctionnement. Le «Drive-In» du XXIème siècle peut-être redéfinit : tout le monde se déplace, le cinéma lui-même ne fait pas exception.

Amélie Grouselle
Reims à vélo
Suite à une étude des circulations dans la ville de Reims ont été observés : – le niveau de fréquentation des usagers par quartier, – les infrastructures destinées aux vélos, – les différentes typologies des rues de Reims. Le croisement de ces informations a permis de déterminer un tracé dans la ville. Ce parcours englobe toute la ville de Reims du nord au sud, en choisissant des rues où il était agréable, facile et sécurisant de circuler à vélo, et sans réaliser de grands travaux. La signalétique du parcours est fléchée, à l’instar d’un parcours de randonnée et démontable au gré des changements dans la ville.

Laura Portharieu et Camille Viallet
APOIDEA
En ville, le casque de vélo est un élément non-désiré, porté par seulement 7% des citadins. Apoïdea est une proposition de casque répondant à certain de ses désavantages : l’encombrement, l’esthétique, le manque d’aération. Elaboré sur la technique de pliage nid d’abeille, ce casque permet de renforcer la résistance de la coque tout en garantissant sa légèreté. Il est décliné en plusieurs coloris, qui jouent avec les formes hexagonales pour une esthétique changeante et adaptable au goût de chacun.

Le projet consiste à concevoir une première collection de mobilier (tabouret et patère) à partir de matériaux détournés, glanés et gratuits : sac plastique, carton d’emballage, cagette, …. Comment imaginer du mobilier à partir de ces matériaux souvent mal considérés? Comment les requalifier? Comment structurer un objet à partir d’une forme d’accumulation? Les étudiants ont réalisé chacun un tabouret et une patère permettant de tester leurs usages.

L’enjeu de ce projet est la capacité pour un designer à utiliser un semi-produit existant (en l’occurrence un miroir choisi dans un circuit de grande distribution) afin de proposer un objet original aussi bien sur un plan plastique que fonctionnel. L’étudiant a dû produire l’objet en série et donc intégrer cette spécificité dans le processus de création.

Maxime Augay,  » V lock  »
Cet antivol de vélo offre une grande souplesse d’utilisation, en combinant la sécurité d’un antivol en « U » avec la flexibilité d’un antivol à spirale. Acier trempé, câble en acier trempé tressé, silicone en surface.

Jaina Ennequin, « Petite Boîte »
Le radio réveil est un objet usuel malmené chaque matin et pourtant indispensable. L’image de la boîte à musique ainsi que l’utilisation de la céramique industrielle interviennent comme une manière d’adoucir la relation que l’on entretient à l’objet. Sa forme suggère une gestuelle intuitive. Sa compréhension suit des degrés de lecture.

Danaé Falcoz, « Washbasin »
Acrystal(Résine de synthèse et poudre de métal) , Corian et Inox S’articulant autour des conditions des sanitaires publics, ce projet permet aux personnes de taille moyenne, possédant des handicaps, ou aux enfants, de bénéficier d’un lieu de rinçage des mains. Cette vasque s’adapte à la taille de l’utilisateur par une simple pression de la main. Lors de ce contact, elle bascule vers l’avant grâce à une petite pièce rotative située juste au dessous, la reliant à la planche de travail par un tuyau souple. La forme de la vasque, du robinet et de l’ensemble de la structure, le choix des matériaux, les systèmes d’emboitage et la disposition des divers éléments, tout est pensé dans le but que l’objet transgresse la crainte du basculement.

Recherches pour la diffusion de compositions musicales contemporaines dans un Parc.

Apolline Muet, Nid sonore
Le nid d’abeille sauvage a proposé deux directions de projets : une inspiration formelle, de systèmes de diffusion imitant l’implantation sur les arbres des ruches naturelle ; une seconde proposition où le spectateur s’approche de la forme abritant la diffusion comme les abeilles de leur rucher.

Audrey Large, Nuée
Une Nuée d’insectes, un envol, un murmure. Un nuage, une masse légère flotte doucement dans le parc, accompagnant la déambulation du visiteur. Ici la nature s’identifie à la musique, les insectes se propagent a la manière des ondes sonores.
Le projet ne se veut pas illustratif mais évocateur : la multiplication de fines tiges de métal plantées en terre et peintes à certains endroits créent l’effet d’un nuage moucheté, cinétique, en apesanteur. L’accumulation de tiges métalliques et de végétaux crée un espace labyrinthique dans lequel on s’immerge.

Manon Ritaly, Monolithe
Le système sonore est intégré à l’intérieur d’un monolithe imposant, dans un coffrage en bois. En référence à 2001, l’Odyssée de l’Espace de Stanley Kubrick : une stèle. Mystique. La forme minimale et monumentale de 3m de haut intrigue le spectateur et l’attire.
L’ensemble est recouvert de planches de bois massif, préalablement sablées afin de faire
ressortir les veines et les nœuds, qui évoquent l’image de l’onde sonore ). La totalité du monolithe est ensuite brûlée au chalumeau.
L’opposition du végétal vivant dans le parc au bois mort du monolithe renforce l’énigme.

(enseignants : Patrick Nadeau, Sara Lubtchansky, Philippe Legoff)

Cette citerne est un récupérateur d’eaux pluviales, qui lie plantes et objet en un tout.
Les plantes vivent grâce à ce que l’objet leur apporte, et l’objet vit avec les plantes, qui complètent sa fonction.
Lorsqu’il pleut, l’eau tombe dans le bassin supérieur, qui contient les plantes aquatiques (papyrus, prèle, étoile d’eau, iris d’eau) ; lorsque celui-ci est plein, le surplus d’eau déborde dans le bac inférieur et permet à l’utilisateur de se servir, grâce à un robinet greffé sur la citerne.

La Fédération Française de la Tannerie Mégisserie a lancé un concours auprès de cinq Écoles de Design, sélectionnées en France, afin que les étudiants mènent une réflexion nouvelle sur l’utilisation du cuir, hors du contexte habituel et classique. Ainsi elle souhaite ouvrir le champ des applications et encourager l’ingéniosité et l’innovation dans l’utilisation du matériau en tant qu’élément structurant, esthétique et/ou architectural. Une équipe de l’ESAD de Reims a emporté le premier prix, doté de 5 000 €.

Lauréats 1er Prix : Arteria – Élodie Elsenberger et Fabien Szczepanowski
Luminaire composé d’un réseau de bandes de cuir souples ou rigides sur une âme métallique, et habité par un réseau de leds, créant une lumière diffuse. (190×100 cm).

Tabouret de cuir ondulé – Antoine Monnet
Ce tabouret explore les propriétés structurantes du cuir. L’assise est un volume structuré par l’ondulation de la peau, qui conserve également sa qualité de recouvrement, utilisée plus traditionnellement.

Variation – Marie Odinot, Julie Kotulski, Chloé Riffault
Lampe d’appoint en cuir végétal dont la luminosité et la forme varient selon les envies de l’utilisateur : un geste, une luminosité

Dans un premier temps les étudiants ont visité l’usine et se sont familiarisés avec les technologies et les modes d’assemblage des radiateurs produits. Ils ont ensuite imaginé des propositions répondant aux problématiques de mobilité, fonction associée et/ou qualité perçue par l’usager. L’entreprise a retenu trois projets pour en réaliser le prototype.

Tempo – Élodie Elsenberger
Le radiateur présente l’aspect d’une surface « froissée » et sa colorimétrie qui évolue avec la température diffusée : on peut alors l’évaluer d’un coup d’oeil. L’objet ne se cache plus, mais contribue activement au décor et à la vie de l’habitat, par son graphisme élaboré et changeant.

Théo Demans
Approche plastique du radiateur par une diversité de matériaux superposés, comme des peintures dans un carton à dessin.

Voyage – Damien Convert
Le radiateur peut se poser ou s’accrocher au mur. Une poignée est intégrée dans sa forme simple pour le rappeler. L’alimentation s’effectue par le socle du mur ou du sol.

Antoine Monnet
Le fondement du projet de radiateur est de rendre cet objet technique plus ouvert, plus évolutif et donc plus durable, en dissociant les éléments qui le composent. La résistance électrique et le boitier de commande, plus fragiles, sont dissociés de l’objet, plus pérenne. Un élément modulaire en profilé d’aluminium renferme la résistance et permet une variation du matériau diffusant en façade. Ainsi, sur une même base, il est possible de générer divers types de radiateurs, pour une variation de puissance ou d’aspect.

Minima – Clément Bernard
Collection de cinq objets (obsidienne, angle, poutre, valet et cheminée) ayant en commun une fonction de chauffe et un aspect minimaliste, géométrique, noir et laqué. Ils créent un jeu avec l’espace et l’architecture, et peuvent être utilisés en interaction les uns avec les autres ou séparément.

Il donne la parole aux créateurs et chercheurs en la matière qui ont répondu à notre appel, mais aussi aux étudiants de l’ESAD de Reims, à travers leurs productions plastiques. De la cime des forêts primaires à l’atelier de l’artiste, en passant par des plantations de tabac ou des laboratoires scientifiques, Faut pas pousser nous transporte au coeur des problématiques qu’abordent les auteurs et qui souvent se croisent, se frôlent ou se télescopent en terrains fertiles, à commencer par celui de notre imaginaire.
Avec les contributions de : Manola Antonioli, Nicolas Bonnenfant, Fabrice Bourlez, Marie-Haude Caraës, Brigitte Chabbert, Damien Chivialle, Marie Denis, Céline Duhamel, Émeline Eudes, Gilles Galopin, Francis Hallé, Heiko Hansen, (HeHe), Chloé Heyraud, Bruno Latour, Duncan Lewis, Sara Lubtchansky, Bruno Marmiroli, Alain Milon, Élise Morin, Patrick Nadeau, Claire Peillod, Patricia Ribault, Didier Semin

Aujourd’hui, ce marais de trois cent hectares, dont l’eau en occupe une centaine, s’étend au coeur de la ville, mais ne fait plus vivre que sept maraîchers professionnels, qui exploitent vingt cinq hectares et vendent leur production sur les marchés et à la grande distribution. Avec ce festival, des parcelles en friches sont confiées, via un appel à projets, à des artistes (paysagistes, architectes, designers et plasticiens et étudiants de ces disciplines) pour des aménagements ou installations, éphémères ou pérennes, que le public découvre à pied ou en barque. Les étudiants de design végétal, après avoir visité l’édition 2011 des Hortillonnages, ont réfléchi par petits groupes à des propositions qui devaient intégrer la dimension naturelle et touristique du site tout en faisant découvrir à tous les publics ce patrimoine d’exception.
Livre Ou(vert) – Madeleine Todd Morel Un herbier grandeur nature, un lexique géant et vivant pour faire découvrir les principales espèces de végétation locale.
Désagrégation – Thomas Kern et Marie Legentil Le projet s’attache à la problématique de la disparition progressive des îles et s’interroge sur l’existence d’un envers du décor imaginaire, lié à des lieux cultivés et désormais abandonnés.
Sauvons les hortillonnages – Bérénice Garnier De grandes bâches photographiques sont installées sur des ilôts abandonnés témoignant de l’état de ce patrimoine avant qu’il ne soit dégradé par le temps.

Le projet a été créé dans le cadre de la semaine folle 2011 de l’ESAD de Reims avec Jon Marín, enseignant sur des projets multidisciplinaires en Biomimétisme et en Ecodesign à l’Ecole de Design de Sabadell, Espagne. Serres Urbaines a pour ambition de mettre en valeur des plantes qui poussent de manière naturelle dans des endroits non désirés. Les « mauvaises herbes » de nos cités se révèlent bienfaisantes, salvatrices et parfois comestibles. Le premier but est donc de les mettre en valeur par une signalétique en volume rappelant une image de serre. De ce fait, ces plantes peuvent s’épanouir, grandir et être mieux considérés par les habitants, les passants… Le second attrait de ce projet est d’utiliser ces plantes revalorisées pour en faire du compost : par adjonction d’un sirop de glucose le déchet organique devient matière solide et fertile. Sous forme d’un cube, rappelant sa structure protectrice mais aussi celle d’un morceau de sucre, il devient facilement utilisable pour les plantes d’intérieur. L’intérêt de ce projet était donc de reconsidérer la nature déjà présente dans la ville, de lui trouver un but afin de créer un cycle issu de la ville.
Intervenants : Jon Marín, Sara Lubtchansky

Les étudiants de l’atelier de design végétal de l’ESAD de Reims ont travaillé en 2013 sur le thème de l’agriculture urbaine, en le plaçant dans le contexte de la Ville de Reims et du projet Reims 2020. Encadrés par Patrick Nadeau, architecte-designer fondateur de l’atelier de design végétal, Sara Lubtchansky, urbaniste et Nicolas Bonnenfant, architecte-paysagiste au sein du collectif COLOCO, les étudiants ont été invités à explorer cette question avec leur regard de designer, qui se place au niveau des interactions de l’Homme avec son environnement. Des projets aussi divers que des jardins nourriciers, des outils de promotion des productions locales, la mise en réseau des consommateurs entre eux et avec les producteurs… ont été imaginés. Avec une approche souvent pédagogique, plusieurs projets ont cherché à mettre en valeur une vision systémique et temporelle du cycle de production agricole. Cinq projets retenus ont été regroupés : ils ont en commun de dépasser l’approche purement maraîchère pour montrer, à travers des pratiques inspirées d’hier ou d’ailleurs, que l’agriculture est une activité qui contribue à développer les échanges et à repenser des cycles de production transformés par l’industrie. Conçus initialement comme des équipements autonomes, ils se révèlent complémentaires et interdépendants dans leurs processus de production/récupération.

Bio-gaz par Élodie Elsenberger, Marion Galisson
La méthanisation est aussi un produit du compost. Le compost mélangé à l’air produit de l’humus pour nourrir la terre et de la chaleur pour chauffer l’air. Mélangé à l’eau chaude, il fermente et produit du méthane. Cette bio-énergie alimente le réchaud qui fait cuire les légumes. Au Japon et au Cambodge, des cabanes sont ainsi chauffées au compost ; au Rwanda et au Bénin, le méthane produit sert à faire la cuisine tandis qu’en Suède, on produit du biogaz de façon industrielle pour chauffer l’habitat et faire rouler les voitures.

Alambic par Salassa Mitsui
Si les arbres fruitiers poussaient en ville… la ville serait un village ! Pour ne pas jeter les fruits pourris de nos vergers urbains et de nos grandes surfaces, on peut les distiller pour en faire de l’eau de vie, ou un peu d’alcool pour faire tourner un moteur. Le feu produit des cendres pour la briqueterie, permet de réchauffer ou faire griller son casse-croûte et crée de la convivialité, qui laisse le temps d’observer. Et si la ville accueillait cette tradition rurale ?

Jardin pédagogique par Line Lieng et léa Wlodarczyk
Ce projet montre aux enfants que chaque plante pousse à sa façon : la pomme de terre se butte, l’endive pousse dans le noir, la fraise marcotte et la tomate grimpe… Ces jardins pédagogiques dans des sacs en toile non-tissée sont à suspendre le long des murs de l’école pour suivre tout au long de l’année scolaire le cycle de pousse des principales plantes.

Brique de compost par Thomas Ballouhey
Mettre de l’humus en brique : une brique de déchets organiques secs et carbonnés est composée de sciure de bois, déchets de champignonnière, feuilles mortes, papier, carton, marc de café, cendres et coquilles d’oeufs. On mélange, on mouille, on compresse puis on fait sécher. Compacte et facile à transporter, la brique reprend vie avec du compost et de l’eau pour venir fertiliser les terres pauvres.

Champignonnière par Martin Laforêt
Mélange de techniques industrielles et de pratiques amateurs en 6 étapes. Étape 1 : développer du mycélium dans un bocal d’eau sucré Étape 2 : remplir des bocaux stériles de céréales (maïs, seigle, avoine, blé…) Étape 3 : fabriquer du substrat avec restes de fruits, des briques organiques, des marcs de fermentation… Étape 4 : déposer les céréales inoculées de mycélium sur du substrat Étape 5 : lancer le processus de production de la champignonnière en milieu humide et sombre Étape 6 : consommer les champignons (généralement des pleurotes)

Dans le contexte des réflexions sur la métropole de demain, l’ESAD a imaginé doter son bâtiment du centre-ville d’un biotope vertical, véritable signal de biodiversité en milieu urbain. Ce jardin vertical fait appel au travail de conception des étudiants de l’école et aux dernières techniques de végétalisation. Projet manifeste, cette œuvre d’art vivante est conçue comme un jardin vertical exemplaire, dont les végétaux peu gourmands en eau cohabitent avec des oiseaux et des insectes et nécessitent peu d’entretien. Les ruches installées depuis 2009 sur le toit de l’école sont intégrées à cet écosystème qui pourra recevoir le label de refuge LPO.

Dans une réciprocité qu’on observe dans la nature, les insectes permettent aux plantes de se reproduire, tandis que la flore sert de réservoir alimentaire et de refuge à toute une petite faune. C’est cet équilibre du vivant et son intégration dans la ville qui sont ainsi portés au regard, tout en montrant les divers savoir-faire de l’ESAD.

Les étudiants ont été sollicités pour développer le projet et imaginer les nichoirs, hôtels à insectes et pots pour les plantes. Le projet retenu et développé depuis mai 2012 consiste en un mix entre des jardinières fixées au mur et différents objets conçus par les étudiants qui sont maintenus en suspension par un système de patères qui symbolisent des branches. Ces objets sont développés et prototypés en béton végétal avec l’expertise des Compagnons du devoir, de la LPO, (ligue de protection des oiseaux) et des experts des insectes en milieu urbain. C’est l’occasion d’expérimenter des techniques nouvelles en matériaux naturels.

Une immersion dans l’entreprise a permis aux étudiants de comprendre le processus semi-artisanal et de répondre au mieux aux enjeux actuels de l’entreprise comme de la société. Les objets en cours d’édition renouvellent le catalogue traditionnel de la fonderie, et constituent la première étape d’une collaboration au long cours de l’ESAD avec des PME et artisans des Ardennes, aux savoir-faire traditionnels.

Observer et interroger les plantes, leur forme, leur structure, leur géométrie, leur couleur, leur relation avec leur milieu… permet aux designers de proposer des démarches singulières et sensibles et des solutions innovantes aux problèmes économiques, écologiques et sociétaux actuels. Ce travail à l’échelle de l’homme et de la plante intervient en complément de l’architecte et du paysagiste qui travaillent à l’échelle de la ville et du paysage. Ce projet de recherche piloté par Patrick Nadeau, Sara Lubtchansky et Patricia Ribault a mobilisé en 2011/2012 les étudiants de Master 1, dont les premiers résultats ont été présentés aux Jardins des Tuileries pour « Jardins, Jardin » du 31 mai au 3 juin 2012. Ces projets font également l’objet d’une exposition de culture scientifique, en collaboration avec l’INRA et Accustica, en novembre 2012, lors des 3èmes Rencontres Internationales de l’Art et du Design sur le thème du Végétal, organisées par l’ESAD à la Comédie de Reims.
Intervenants : Patrick Nadeau, Sara Lubtchansky, Patricia Ribault

Intervenants : Laurence Mauderli et Laurent Greslin
Projet de recherche fondamentale : Visionair / Fraunhofer IPK / ESAD
Si le virtuel n’est en somme qu’un objet en puissance, un potentiel ou un possible, son modus operandi, quant à lui, est pourtant bien concret. Outre son caractère divertissant et ludique, l’action de dessiner des objets ou fragments d’objets en 3D dans un espace immersif appelé cave (prononcé [keiv] dans le jargon informatique émaillé de termes anglais), ce qui en français équivaut à grotte, n’a rien à voir avec l’art pariétal paléolithique. La topographie de la grotte en question n’a pas le relief tourmenté des grottes de Lascaux ou de Chauvet, ni d’ailleurs leurs dimensions, et ses usagers ne sont plus des Homo sapiens.
Cette cavité de 2,5 x 2,5 x 2,5 mètres est constituée de parois lisses munies de capteurs et est reliée à un ordinateur. En soi un dispositif de haute technologie, un médium en réseau, opérationnel s’il a en son sein un usager muni de sa paire de lunettes 3D et d’un « stylo » ou « crayon » équipé de capteurs intégrés. Un dispositif complexe qui demande à l’usager un temps d’adaptation (quoique relativement bref) mais qui, une fois celui-ci adapté, lui permettra de dessiner dans l’espace à peu près tout ce qui lui traversera l’esprit. Vous l’aurez compris, afin d’éviter l’état d’hypnose ou l’assujettissement à la machine, il s’agit d’avoir un projet de recherche bien réel qui nous rassure bien que l’Homme (et la femme) ne s’égareront point dans les méandres du simulacre et de l’immatériel !
En 2012, le projet de recherche fondamentale, intitulé « Sketching the imaginary » initié et mené par Laurence Mauderli, historienne et théoricienne du design, Laurent Greslin, designer tous deux enseignants à L’ESAD de Reims et Johann Habakuk Israel, docteur en ingénierie informatique et chercheur dans le département « Virtual Reality Solution Center » (centre de solutions en réalité virtuelle) du Fraunhofer IPK, « Institut für Produktionsanlagen und Konstruktionstechnik » (Institut pour les systèmes de productions et technique de construction) à Berlin, a été sélectionné par Visionair, un réseau européen d’infrastructures dédié aux installations de visualisation haut-de-gamme, ouvert aux chercheurs en Europe et dans le Monde.
Un des objectifs de ce projet a été d’explorer, de découvrir et de nous approprier la technologie immersive visuelle et haptique de la réalité virtuelle – telle qu’elle est développée au « Virtual Reality Solution Center » du Fraunhofer IPK, de Berlin – de travailler sur l’interrelation corps/espace/objet et d’établir un dialogue stimulant voire intriguant entre approche empirique et débats théoriques, entre design et réalité virtuelle, entre 3D et 2D et vice-versa. De manière plus spécifique, la possibilité de travailler directement à échelle 1 :1 dans la grotte, d’aborder graduellement des questions soulevées par l’artisanat numérique comme champ du design, d’expérimenter la pollinisation croisée entre le travail d’atelier et la production dans la grotte, des croisements entre design et ingénierie fut un de nos leitmotivs pendant ces deux semaines.
« Sketching the imaginary » a été l’occasion d’allier design et réalité virtuelle de manière tout à fait inédite pour une école d’art et de design française. Notamment, de travailler directement à échelle 1 :1 avec des outils de réalité virtuelle haut-de-gamme en abordant de manière approfondie des questions soulevées par l’artisanat numérique comme nouveau champ du design. Dessiner en 3D dans l’espace permet en effet d’accroître ou de développer une autre sensibilité visuelle, manuelle, haptique qui a de plus un impact sur notre manière de voir et de percevoir, tant l’objet dessiné que l’espace qui le contient. En outre, l’expérience unique du résultat de l’échelle 1 :1 en temps réel, qui est à la fois dessin et matière est une des caractéristiques qui a le plus séduit les participant(e)s.